2026首爾藝術週 Frieze Seoul + Kiaf 藝博會現場直擊：10 間必須關注的國際與韓國畫廊
2026 年 9 月 2 日，上午 11 點的開門時刻還沒到，首爾 COEX 展廳的入口前，等待的隊伍已經蜿蜒成三排。今年的斐列茲首爾藝術博覽會（Frieze Seoul）與韓國國際藝術博覽會（Kiaf SEOUL），顯然正處於沸點。國際頂級藏家、美術館與基金會代表、韓國政商名流、K-POP 偶像與百萬網紅悉數擠入會場，時髦的穿著與交錯的香檳杯，讓整座展館更像一場盛大的社交派對，而不只是單純的商業展銷。
▋專題報導｜Seoul Art Week 2026 首爾藝術週
Omyo Cho 作品，Foundry Seoul 展位。Frieze Seoul 2026 的「Focus」展區邀請 2014 年後成立的新興畫廊參與，以單一藝術家展位形式呈現專為藝博會設計的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
值得留意的是，兩大藝博會的參展畫廊，不約而同展現出一種與整個韓國藝術場景對話的默契。他們巧妙選擇展位藝術家，讓其創作與同期於韓國各大美術館與機構展出的重量級展覽彼此呼應：無論是徐道獲（Do Ho Suh）於國立現代美術館（MMCA）、具貞娥（Koo Jeong A）於三星美術館（Leeum Museum of Art），抑或金武永（Muyeong Kim）於善宰藝術中心（Art Sonje Center），都與藝博會現場形成一種延伸的呈現。更有不少藝術家同時現身於光州雙年展與釜山雙年展，將各地藝博會、美術館、雙年展，甚至表演藝術串連起來的「韓國藝術節」（Korea Art Festival），可以看出韓國從官方到民間對於文化和藝術的投入，如何凝聚成一股不可忽視的巨大能量。
立木畫廊（Lehmann Maupin）在 Frieze Seoul 2026 的展位帶來多件徐道獲（Do Ho Suh）作品，呼應了同期國立現代美術館（MMCA）的藝術家大型回顧展。圖／非池中藝術網攝影。
Frieze Seoul 的 VIP 預展首日，Thaddaeus Ropac 畫廊便以一幅艾德里安．格尼（Adrian Ghenie）的作品《Figure with Funerary Stele》（2026），締造 128 萬美元的高價成交，成為本屆開幕日最亮眼的一筆交易。Spruumlth Magers 以 23 萬美金售出西普里安．加亞爾（Cyprien Gaillard）作品《Life in the cracks》（2025）予亞洲機構收藏；白立方（White Cube）則將李希特（Gerhard Richter）的作品《Fuji》以逾 72 萬美元易主。
Frieze Seoul 2026 貴賓預展首日， Thaddaeus Ropac 畫廊以一幅艾德里安．格尼（Adrian Ghenie）的作品《Figure with Funerary Stele》（2026），締造 128 萬美元的高價成交。圖 / 非池中藝術網攝影。
Kiaf SEOUL 方面，國際畫廊（Kukje Gallery）以 44 萬至 53 萬美元售出一件劉永國（Yoo Young-kuk） 1979 年的作品；現代畫廊（Gallery Hyundai）則以每件 22 萬至 37 萬美元的價格，售出數件白南準（Nam June Paik）的作品。交易情況顯示機構收藏對當代觀念藝術的積極布局，以及戰後現代藝術大師作品在韓國市場中依然穩健的行情。
白南準（Nam June Paik）作品（中間），現代畫廊（Gallery Hyundai）展位，Kiaf SEOUL 2026。圖 / 非池中藝術網攝影。
在如此熱烈的現場，非池中編輯部選出 10 間值得關注的畫廊mdashmdash其中，Frieze Seoul 的 Spruumlth Magers、Esther Schipper、David Kordansky 代表著國際頂級畫廊的學術高度，ThisWeekendRoom、N/A 則呈現首爾本地新銳空間的實驗精神。Kiaf Seoul 的 ARARIO GALLERY、學古齋（Hakgojae Gallery）是深耕韓國半世紀的老牌畫廊，Galerie Marguo、LAZY MIKE 則涵蓋了跨文化布局的年輕國際畫廊。他們各自以不同的策展邏輯，在同一座會展中心裡，共同描繪出這座城市此刻的藝術生態切片。
▋延伸閱讀｜走進 2026 首爾藝術週：Frieze Seoul、Kiaf 臺灣畫廊展什麼？一探韓國藝術市場
藝術家奧托尼爾（Jean-Michel OTHONIEL）親臨現場，國際畫廊（Kukje Gallery）展位，Kiaf SEOUL 2026。圖 / 非池中藝術網攝影。
Frieze Seoul 2026 展區
▋ThisWeekendRoom｜Frieze Seoul Booth A23
成立於 2015 年的首爾當代藝術畫廊 ThisWeekendRoom，過去曾於首爾、香港、上海、京都、柏林與倫敦等城市策劃展覽，並與 Frieze No.9 Cork Street、Pace、Tang Contemporary Art、Dvir、Martin van Zomeren、Copperfield 及 Asia Art Center 等藝術機構與畫廊合作。此次參與 Frieze 聚焦當代情感如何被感知、表述與重新理解，藝術家們在真實情緒與細微自我意識之間展開對話，透過不同創作語彙交織出內斂而富有共鳴的敘事，呈現超越作品表象的情感層次。
尤其可以關注到藝術家金索爾（Seoul Kim，1983-），他的創作圍繞著對「繪畫」本身的提問展開。對他而言，繪畫除了是圖像生成的媒介，也囊括著由畫筆、顏料、畫布、木框與畫框等具體物質條件共同構成的系統。透過對這些元素如何參與並形塑繪畫的持續觀察，藝術家展開一系列帶有後設性質的實踐。
有趣的是，金索爾的創作脈絡涉及多重參照，包括曾對藝術史與藝術思潮產生重要影響的前輩藝術家、品牌美術用品既定的尺寸與形式，以及繪畫行為中身體性的介入。這些原本具有明確來源與指涉的元素，在作品中逐漸脫離既有脈絡，經由藝術家的轉化與重組，最終形成高度緊密且自成一體的畫面結構。而在這樣的過程中，藝術家得以重新檢視視覺藝術長久以來所依循的歷史參照、製作慣例與觀看方式，試圖為這些既存規則建立新的閱讀方式，並逐步摸索出一套屬於當下的繪畫方法，使歷史得以在當代的創作語境中被重新書寫。
金索爾（Seoul Kim）作品，ThisWeekendRoom 展位，Frieze Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
ThisWeekendRoom 展位，Frieze Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
▋Esther Schipper｜Frieze Seoul Booth B12
菲利普・帕雷諾（Philippe Parreno）的作品可以是招牌、建築立面，也可以是舞台上尚未熄滅的燈光，這是他為 Frieze Seoul 2026 帶來的《Marquee》系列 2026 年新作。
艾斯特・席佩爾畫廊（Esther Schipper）1989 年創立於科隆，1997 年遷至柏林，近十年陸續於首爾、巴黎、紐約設點，形成跨洲際代理網絡；此次首爾展位為其版圖延伸的一個節點。展出陣容集結陶芭・奧爾巴赫（Tauba Auerbach）、羅莎・巴爾巴（Rosa Barba）、諾伯特・畢斯基（Norbert Bisky）、安潔拉・布洛赫（Angela Bulloch）、湯瑪斯・德曼（Thomas Demand）、希爾・弗洛耶（Ceal Floyer）、藤原西蒙（Simon Fujiwara）、雷恩・甘德（Ryan Gander）、皮耶・雨格（Pierre Huyghe）、全賢善（Hyunsun Jeon）、洛特斯・康（Lotus L. Kang）、阮俊安（Tuan Andrew Nguyen）、茱莉亞・雪爾（Julia Scher）以及帕雷諾等人新作，橫跨歐、美、亞三地。
帕雷諾的《Marquee》以乳白色壓克力板、LED 燈、霓虹燈管與 DMX 燈光控制器組成浮雕式壁掛裝置，隨著光線持續移動，平面浮現出透視般的縱深感，壓克力表面凸起的圓形顆粒模擬燈泡形狀，強化了這層錯覺；藏於表層之下的燈光依藝術家編排的節奏明滅，宛如一則尚未被辨識的訊號。藝術家將「招牌」這個原本用來引起消費與注意力的物件，轉譯為自我指涉的裝置mdashmdash它照亮的不是商品，而是「光」這個媒材本身。帕雷諾崛起於 1990 年代，作品曾獲拜爾勒基金會（Fondation Beyeler）、塞拉維斯當代藝術博物館（Serralves Museum of Contemporary Art）、愛爾蘭現代美術館（Irish Museum of Modern Art）等機構典藏。
Esther Schipper 展位，Frieze Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
帕雷諾（Philippe Parreno），《Marquee》，2026。Esther Schipper 展位，Frieze Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
▋David Kordansky｜Frieze Seoul Booth B18
切斯・霍爾（Chase Hall）在 Frieze Seoul 2026 展覽中，一隻蜷坐石牆邊緣的淺棕色長毛猴，靜靜回望觀者，呼應他一貫關注的命題：身分如何在私密場景中成形，如校外教學、體育賽事等群體記憶片段，令人聯想起陳舊的畢業紀念冊。
大衛・柯丹斯基畫廊（David Kordansky）2003 年創立於洛杉磯唐人街，現於洛杉磯與紐約設點，代理逾 50 位藝術家，這次首爾展位延續其亞洲布局。霍爾 1993 年生於明尼蘇達州聖保羅，現居紐約，曾在大都會歌劇院委託創作巨幅雙聯畫作《米蒂亞》（Medea Act I amp II），作品獲洛杉磯郡立美術館、惠特尼美術館等機構典藏，2026 年 10 月將於帕里許藝術博物館（Parrish Art Museum）展出新作。
展出的《中央公園動物園（校外教學）》（Central Park Zoo (Field Trip)，2026）以壓克力與咖啡繪於畫布，咖啡自霍爾青少年在星巴克打工起便成為標誌性媒材。咖啡混入壓克力聚合物後經刮除、耙梳，留下具建築量體感的肌理，延續他長年以咖啡與生棉布探討黑與白歷史張力的方法。畫中群像先以鼻、口、膝、肘等解剖結構定形，再由負空間補完輪廓，留白讓觀者投射自身記憶，使記憶成為一種關係性的生成；特定髮型與插入口袋的手勢，則讓個體差異在群體制服中浮現。
David Kordansky 展位，Frieze Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
霍爾（Chase Hall），《Central Park Zoo (Field Trip)》，2026。David Kordansky 展位，Frieze Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
▋Spruumlth Magers｜Frieze Seoul B22
Spruumlth Magers 是全球當代藝術界極具影響力的頂級畫廊之一，以嚴謹的學術策展、長期支持女性藝術家以及深耕觀念藝術（Conceptual Art）著稱。1998 年，兩位創辦人 Monika Spruumlth 與 Philomene Magers 正式將他們的畫廊合併，成立 Spruumlth Magers。目前在柏林米特區（Mitte）、倫敦梅費爾區（Mayfair）、洛杉磯奇蹟哩（Miracle Mile）以及紐約曼哈頓（Manhattan）設有展覽空間，並在科隆、香港、北京與首爾設有辦公室。
在喧囂的藝博會中，Spruumlth Magers 似乎拒絕迎合市場對「討喜」的偏好，而以純正的「德系觀念血統」為整個展位定錨學術高度。本次展位以兩位德國藝術家為主調－核心亮點為德國觀念藝術大師萊因哈德middot穆夏（Reinhard Mucha）的壁掛雕塑《Schuld, [2019] 2015》，並與德國當代藝術家安妮middot伊姆霍夫（Anne Imhof）探討身體在場與心理張力的巨幅繪畫相互呼應。
Reinhard Mucha 以兼具嚴謹形式、清晰觀念與雕塑細節著稱，作品常帶有細膩的諷刺意味。《Schuld, [2019] 2015》以一塊被分割且錯位重組的 HO 軌模型火車底板為核心，兩半構件並置安裝於斑駁的木板基底上，由橫向貫穿的鋁製支柱確立其水平張力。木板斑駁且帶有污漬，留存著長年使用的真實痕跡：膠帶、手寫標記、拆除固定裝置後的孔痕，以及一道近乎具有繪畫質感的泛黃膠痕。覆蓋於表面的一塊玻璃上，則繪有細密交錯的線條，令人聯想起鐵路網絡的幾何結構，這種「既揭示又遮蔽」的手法，是他創作中自成體系的核心技巧。
作品標題「Schuld」在德語中具有雙重意涵：一方面指涉「罪責」（Guilt）與「債務」（Debt），觸及德國戰後歷史與體制責任的道德反思；另一方面，它亦是德國西部一座擁有鐵路歷史的同名小鎮，體現了穆夏將地名符號與歷史記憶雙關交織的手法。整件作品的構圖以及將火車模型簡化為形式本質的處理，雖令人聯想到極簡主義（Minimalism）的簡練純粹；然而，帶有污漬的木材、斑駁肌理與鉛筆標記，卻堅持保留其自身作為具體物件的歷史痕跡，強烈抗拒著被純粹的幾何形式所完全同化與抹滅。
Anne Imhof 延續對「身體、空間佔據與短暫體驗」的核心母題，大型油畫新作《Untitled》（2026）以戲劇性的午夜藍鋪陳出深邃幽暗的海域，定格了一道超寫實且泛著粉色微光的碎浪泡沫。畫面並非直接寫生，而是先經過數位建構，透過油畫顏料在畫布上一層層繁複堆疊，營造出極具厚度與深度的超寫實質感。伊姆霍夫首度將過往常見於其鋁板作品的「刮刻」（scratching）手法移植至布面油畫。她直接在未乾的顏料表層劃出道道起伏的白色線條，不僅具象化了身體運動時的能量軌跡，也將暗湧水體稍縱即逝的動態恆久封存。
展位同時匯聚了多位畫廊長期合作的指標性大師，包括 Joseph Kosuth 的霓虹語言觀念之作《Self-Described Twice [Pink]》（1966），以及 Rosemarie Trockel、John Baldessari、Barbara Kruger、Salvo 與 Thomas Demand 等人的經典實踐；繪畫方面亦重點呈現 George Condo、Hyun-Sook Song 與 Oliver Bak 的代表之作，深刻彰顯歷史先鋒與當代視野的深度對話。
Reinhard Mucha，《Schuld》，[2019] 2015（左）。Spruumlth Magers 展位，Frieze Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
Anne Imhof，《Untitled》，2026（左）。Spruumlth Magers 展位，Frieze Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
▋N/A gallery｜Frieze Seoul Booth F08
N/A gallery 成立於 2018 年，位於首爾一間舊五金店內，是結合畫廊與出版社的當代藝術空間，長期支持韓國及國際青年與中生代藝術家的實驗性、跨學科創作。此次 Frieze Seoul，N/A gallery 帶來韓國藝術家金武永（Muyeong Kim，1995-）個展，聚焦其近年對空間、影像、身體與舞台機械的關注。
金武永的創作以舞台、攝影機、牆面及舞台機械等作為媒介，思考影像如何被建構，以及身體如何在其中被定位、暴露或限制。近年則進一步將舞台機械的建造與測試納入實踐之中，探索「疼痛的美學化」與一種主動選擇的被動狀態之間微妙的張力。值得一提的是，金武永目前亦於首爾善宰藝術中心（Art Sonje Center）個展《Pig》，這是他首次於美術館舉辦個展，也是首次將劇場空間作為實際展覽場域。展覽從舞台機械的「配重」出發，揭示那些支撐劇場演出、卻通常隱藏於觀眾視線之外的機械結構，並延伸至劇場空間的歷史、記憶與物質條件。
此次於 Frieze 的展位中，展出作品《Untitled》則從蘇鹿島（Sorok Island）一座禁止進入的糧食倉庫出發。藝術家僅依據文化遺產管理局網站上的少量影像，以 3D 列印製作倉庫縮尺模型。並利用丙酮蒸氣讓模型表面變得平滑，也讓建築失去原本清楚的人工製作痕跡，像是被時間侵蝕與磨損。
模型下方放置一塊塗覆硝化棉與硝酸銀的玻璃板，反射上方的建築；這兩種材料皆與早期濕版火棉膠攝影有關，而在攝影術出現之前，也曾被用於傷口處理。金武泳將建築隨時間產生的侵蝕，與人體受傷及修復的過程並置，將一個看不見、進不去的地方轉化為對影像、記憶與時間的思考。
金武永（Muyeong Kim）作品，N/A gallery 展位，Frieze Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
金武永（Muyeong Kim）作品，N/A gallery 展位，Frieze Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
Kiaf Seoul 2026 展區
▋Arario Gallery｜Kiaf Seoul Booth A05
自 1989 年成立以來，Arario Gallery 曾於多個地區設立展覽空間，包括韓國首爾與天安、中國北京與上海，以及美國紐約。目前，ARARIO GALLERY 於首爾、天安及上海設有三處空間。此次的展出匯集出生於 1970 年代至 1990 年代的藝術家，參展藝術家一方面承襲各自媒材的傳統，另一方面並未受既有慣例侷限，而是透過持續實驗，發展出鮮明且獨特的藝術語言。
帶大家關注到藝術家林盧植（LIM Nosik，1989-）的作品，今年獲得「Kiaf HIGHLIGHTS」獎，其以韓國傳統繪畫的學習背景為基礎，持續實驗並發展出獨特的繪畫技法，使他在韓國及國際當代藝術領域中，逐漸成為備受關注的新生代藝術家之一。
林盧植的創作，關注如何將風景中所蘊含的感受、情緒與記憶轉化為繪畫。他筆下的風景並非對現實景物的如實再現，而更像是一種介於現實與感知之間的場景，其包括了具體的自然形象與個人的情感經驗彼此交疊，使觀看者在熟悉與陌生之間，進入一種近似記憶與夢境的空間。
在近期的作品中，林盧植進一步將家庭、自然與時間的敘事揉合於風景之中。畫面經常以淡粉紅、紫色、綠色與乳白色為主調，柔和的色彩彷彿籠罩著一層薄霧；而植物的輪廓並不完全清晰，部分形體甚至逐漸消融於背景之中，使畫面呈現出朦朧、漂浮且帶有夢境感的視覺氛圍。這些植物既像是現實中曾經見過的自然景物，又像經過記憶重新組合後的形象，使得風景不再只是某個具體地點，而成為承載個人經驗與情感的場域。
值得注意的是，林盧植雖以油彩進行創作，作品卻並不強調油畫常見的厚重質感與立體塑造。相反地，他更著重於色彩之間細微的滲透、透明感與層層堆疊，讓形體在顯現與消逝之間保持一種若隱若現的狀態。這樣的處理方式，也可看出他早期接受韓國傳統繪畫訓練所留下的影響。
林盧植（LIM Nosik）作品，Arario Gallery 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
林盧植（LIM Nosik）作品，Arario Gallery 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／Arario Gallery 提供。
林盧植（LIM Nosik）作品，Arario Gallery 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／Arario Gallery 提供。
▋學古齋 Hakgojae Gallery｜Kiaf Seoul Booth A51
學古齋（Hakgojae Gallery）作為韓國歷史悠久的畫廊之一，其於 1988 年在亞洲重要金融中心首爾成立，畫廊主館坐落於傳統韓屋之內，1995 年完成整修；而為紀念成立 20 週年，於 2008 年興建的新館，則展現鮮明的 21 世紀當代建築特質。畫廊之名源自「學古創新」的理念，亦即從過往汲取智慧，以開創新的可能，連結古今、串聯地域與世界，而這樣的身份亦清楚反映在畫廊長年策劃的展覽之中。
本次展會學古齋帶來八位藝術家的作品，其中姜耀培（Kang Yobae，1952-）出生於濟州，是韓國第一代民眾美術的重要藝術家之一。1980 年代，他透過繪畫積極回應韓國社會與歷史，並自 1988 年起歷時三年創作以「濟州四・三事件」為核心的「濟州民眾抗爭史」系列，將長期遭到壓抑的地方歷史重新帶入公共視野。1992 年返回濟州定居後，他的創作逐漸由直接描繪歷史事件轉向自然風景。但歷史並未因此退出畫面，而是沉入土地、海洋、山岳與植物之中。
姜耀培並不是以寫實方式忠實描繪濟州景色，他更重視身體對自然的感受，例如風的速度、海浪的力量、雲層移動、光線變化，以及土地與植物受到氣候作用後呈現出的質地。他的筆觸往往快速、粗獷而具有方向性，畫面中的線條與顏料像是直接跟著風勢、水流和自然力量移動。因此，即使作品描繪的是具體風景，有時也會逐漸逼近抽象繪畫。到了較近期的創作，藝術家進一步去除具體形象，試圖以更精煉、甚至接近抽象的畫面，捕捉自然最根本的力量與感知。
姜耀培（Kang Yobae）作品，Hakgojae Gallery 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
Hakgojae Gallery 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
▋NINO MIER GALLERY｜Kiaf Seoul Booth A75
成立於 2015 年的 Nino Mier Gallery，由藝術經銷商與藝術顧問 Nino Mier 創立，最初於西好萊塢以一間約 500 平方英尺的空間起步，現於紐約與布魯塞爾設有展覽空間。畫廊長期以發掘新銳與具鮮明概念性的藝術家而受到關注，透過引介當時尚未受到洛杉磯藝術圈廣泛關注的藝術家，逐步建立其策展方向。本次帶來 Gregory Hodge、Alexandria Tarver、Jess Allen、Andreacute Butzer、Tony Matelli 與 Andrew Dadson 六位藝術家的作品，從繪畫、雕塑至攝影，提出自然與人造、存在與缺席，以及希望與絕望之間的複雜關係。
Jess Allen 的繪畫以描繪室內空間、家具與物件投射於牆面上的影子為主題。沙發上凹陷的坐墊、家具留下的痕跡與模糊的影子，暗示曾經存在於此的人，也使「缺席」成為畫面中最鮮明的存在。Andrew Dadson 藉由厚實且層層堆疊的顏料思考地球地層如何記錄地質時間，探索人為疆界的人工性。
Gregory Hodge 游移於抽象與具象之間，將景觀、建築與室內空間轉化為與個人記憶交織的視覺語彙。Alexandria Tarver 則以夜間城市中的花卉與自然景象為題，深藍色調的氛圍如夜晚的霧氣，映照出腐朽與新生般不斷循環的狀態。
德國藝術家 Andreacute Butzer 以其色彩繽紛、顏料厚塗的大型新表現主義作品為代表。本次帶來作品以充滿活力與可愛的畫面呈現歐洲表現主義和美國流行文化的影響力。Tony Matelli 則以雕塑挑戰日常觀看經驗，使用銅打造的擬真植物，製造介於熟悉與陌生之間的奇異感。
NINO MIER GALLERY 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
Jess Allen 作品（中間），NINO MIER GALLERY 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
▋Lazy Mike｜Kiaf Seoul Booth A87
Lazy Mike 成立於 2017 年，由麥克・奧夫恰連科（Mike Ovcharenko）與坦雅・斯特恩（Tanya Stern）創辦，歷經里加與首爾兩地的空間拓展，如今以首爾為主要據點，並與里加的祖澤姆藝術中心（Zuzeum Art Centre）、駐首爾拉脫維亞大使館維持長期合作。此次以拉脫維亞畫廊身份參與 Kiaf Seoul，延續畫廊一貫的跨文化經營路線。
展位集結馬爾欽・雅努什（Marcin Janusz）、曹茂鉉（Moohyun Jo）、趙成國（Seongguk Cho）、史蒂芬・莫里森（Stephen Morrison）、威利・史都華（Willie Stewart）與徐藝媛（Yewon Seo）等 6 位藝術家，多數曾在 Lazy Mike 首爾空間舉辦個展或聯展，形成畫廊獨特的策展陣容。
其中最引人駐足的，是雅努什的雙聯作《舞雨》（Dance Of The Rain，2026），以油彩、樹脂與糖混合塗佈於合板：畫面中兩個由深褐土質構成的人形，在粉色雲層與細雨間奔跑舞動，一縷白色顏料如汁液般自指尖垂落，一顆淡綠色蛋形靜置於軀體縫隙間；生與死、乾涸與潮濕、身體與地層的界線，就在材料本身的重量感裡逐漸模糊。雅努什受醫學與美術雙重訓練，慣以土壤、糖、樹脂等非典型媒材，讓斯拉夫神話與生態意識交織成半人半地景的寓言。
Lazy Mike 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
雅努什（Marcin Janusz），Dance Of The Rain，2026（中間）。Lazy Mike 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
▋Galerie Marguo｜Kiaf Seoul A91
Galerie Marguo 由來自中國北京、曾任頂級藍籌畫廊豪瑟沃斯（Hauser amp Wirth）亞洲區發展總監的郭欣妤（Vanessa Guo），以及深耕法國藝術出版與在地學術策展的法國文化人 Jean-Mathieu Martini 共同創立於巴黎瑪黑區（Le Marais）。畫廊名稱巧妙揉合了兩位創辦人的姓氏，象徵著深厚商業網絡、學術出版底蘊與跨文化視野的深度結合。
作為一家成立於 2020 年、資歷僅數年的年輕新銳畫廊，Galerie Marguo 展現出極具活力的策展視野。在創立之初，兩位創辦人便觀察到歐洲（尤其是巴黎）傳統藝術生態與亞洲快速崛起的新世代力量之間，仍存在顯著的資訊與策展鴻溝。因此，畫廊致力於歐美與亞洲當代藝術之間搭建橋樑，尤為著重中國與歐美藝術家的對話，專注於發掘並長期陪伴具備獨特視覺語彙的新銳及中生代創作者；其代理與展出的作品特色鮮明，高度聚焦於新世代具象繪畫、超現實日常切片與跨文化身分敘事。
此外，畫廊不局限於傳統的商業展銷，而是以「深度機構合作」與「獨立專題出版」為核心支柱。透過積極促成藝術家進駐法國南部特思莊園（Chacircteau La Coste）等特定場域開展深度在地創作，亦連續多年亮相於頂級國際博覽會，在歐洲經典歷史脈絡與亞洲活躍的當代藝術市場之間，建立起敏銳且具全球流動性的跨文化推廣體系。
今年，Galerie Marguo 連續第四年參展 Kiaf SEOUL， 將呈獻王子平（Ziping Wang）與克勞蒂亞．基普（Claudia Keep）的雙人對話展位。兩位同為 1990 年代出生的新銳畫家，以兩種截然相反的感知維度凝視當代世界：一位處理當下無處不在的「影像過載」，另一位則凝練日常中稍縱即逝的幽微光影。兩組誕生於南法同一座葡萄莊園的創作，不僅共享著地中海的風土色調與季節氣息，更在對立與互補的視覺語彙中達成共識：在資訊紛亂的時代，「仔細凝視」依然是值得我們為之駐足的抵抗與追尋。
展位一側呈現王子平最新的水彩系列，該批作品首見於她在特思莊園理查德．羅傑斯展廳（Richard Rogers gallery）的個展《色彩碎屑！》（Chromatic Crumble!，2025ndash26）。一改過往以食品包裝、卡通符號與藝術史圖像高密度層疊的繁複節奏，藝術家轉而在南法普羅旺斯與梅諾卡島（Menorcan）的流動風光中尋得輕盈慰藉，以更具呼吸感的水彩筆觸重構視覺經驗。
與之呼應的是克勞蒂亞．基普尺幅精巧的油畫作品，延續自其特思莊園個展《搖擺舞》（Waggle Dance）的創作脈絡。基普取材自手機隨手記錄的日常切片－夜間窗前的飛蛾、幽暗中的泳者、潮濕路面上泛光的車燈。如同蜜蜂以「搖擺舞」傳遞花源方位的本能，她以俐落克制的筆觸，靜謐地引導觀者重新注視那些極易被忽略的生活瞬間。
Galerie Marguo 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
Claudia Keep作品，Galerie Marguo 展位，Kiaf Seoul 2026。圖／非池中藝術網攝影。
Frieze Seoul + Kiaf SEOUL：既國際又在地的韓國藝術市場
Frieze Seoul 總監派翠克・李（Patrick Lee）談到本屆博覽會所共同關注的，是那些尚未被寫進正典的藝術家，是工藝作為一種嚴肅的當代實踐，更是那些通常不會第一時間被注意到的城市與畫廊。這樣的策展態度，具體落實在會場的空間安排中：與多數藝博會慣常將藍籌畫廊安置於主動線中央迎接觀眾的做法相反，Frieze Seoul 通常把聚焦年輕與實驗性創作的「Focus」 展區，安置在整個會場最核心的走道位置，藍籌畫廊則退居兩側。中心讓位給尚未成熟、尚未被市場完全定價的創作，這個決定宣示：比起再一次確認既有的價值排序，Frieze 更想讓觀眾在踏入會場的第一步，就先與尚未被定義的藝術相遇。
學古齋（Hakgojae Gallery）展位，Frieze Seoul 2026。圖 / 非池中藝術網攝影。
相較之下，由韓國畫廊協會主導的 Kiaf SEOUL，則讓我們看見更貼近韓國在地的藝術市場樣貌。像是國際畫廊（Kukje Gallery）、現代畫廊（Gallery Hyundai）、學古齋（Hakgojae Gallery）、Arario Gallery 這些韓國代表性的老牌畫廊，其實兩大藝博會都會參加，但仔細比較展位內容，便能發現同一間畫廊在兩個場域裡，選件邏輯並不相同：
在 Frieze Seoul，他們傾向強調與國際藝術語彙的對話，作品調性也相對前衛、潮流；轉到 Kiaf SEOUL，畫廊卻展現出更務實、更貼近市場品味、也更符合韓國在地藏家喜好的一面。這種選件上的差異，恰好說明了兩大藝博會在韓國藝術生態中所扮演的不同角色。除了這些具指標性的大型畫廊，Kiaf SEOUL 現場更聚集了為數眾多的韓國中小型畫廊，他們或許不具備國際知名度，卻是撐起韓國在地藝術市場日常交易與藏家培養的真實基底，也讓整個藝博會的樣貌，比 Frieze Seoul 更具有一種街坊鄰居的溫度。
Anna Nova Gallery 展位，Kiaf SEOUL 2026。圖 / 非池中藝術網攝影。
綜觀我們所選出的 10 間畫廊，或許正好折射出 Frieze Seoul、Kiaf SEOUL 這兩種調性交會後的樣貌。國際畫廊帶來成熟市場體系裡對觀念、材質與歷史脈絡的深耕；學古齋、ARARIO GALLERY 等深植韓國在地數十年的畫廊，則持續挖掘被時代忽略的世代與地方記憶；而 Galerie Marguo、LAZY MIKE、NINO MIER GALLERY 這樣的年輕國際畫廊，則帶著跨文化的視野，將首爾納入他們持續擴張的版圖之一。老牌與新銳、本地與跨國、市場與實驗，在 COEX 的同一個建築並置、對話，甚至彼此借力，此刻韓國藝術生態呈現一個快速變動，卻也因此格外值得駐足的現場。
Philippe Parreno，《Iceman in Reality Rark》，1995-2019。Gladstone Gallery 展位，Frieze Seoul 2026。圖 / 非池中藝術網攝影。
展覽資訊
斐列茲首爾藝術博覽會 Frieze Seoul 2026
日期｜2026 年 9 月 2 日至 5 日
貴賓預展｜9 月 2 日 11:00 - 19:00（僅限受邀嘉賓）；9 月 3 日 11:00 - 15:00（僅限受邀嘉賓及 Preview 票持有人）
公眾開放｜9 月 3 日 15:00 - 19:00；9 月 4 日 11:00 - 19:00；9 月 5 日 11:00 - 19:00
地點｜韓國首爾 COEX 會展中心 C、D 展廳
韓國國際藝術博覽會 Kiaf SEOUL 2026
日期｜2026 年 9 月 2 日至 6 日
貴賓預展｜9 月 2 日 11:00 - 20:00；9 月 3 日 11:00 - 15:00
公眾開放時段｜9 月 3 日 15:00 - 19:00；9 月 4 日 11:00 - 19:00；9 月 5 日 11:00 - 19:00；9 月 6 日 11:00 - 18:00
地點｜韓國首爾 COEX 會展中心 A、B 展廳