日本設計大師親自帶逛！開箱《minä perhonen /皆川明 つづく》海外首展，以近950件展品探索設計材料、製物哲學、持有者美好記憶

無論你是否為日本設計大師皆川明鐵粉，只要熱愛設計、藝術，對生活美感有所追求，這都是一場值得細細品味的精彩展覽。

全新開展的《minä perhonen /皆川明 つづく》展覽，由高雄市立美術館攜手日本設計大師皆川明，與他所創立之 mina perhonen 團隊共同完成。此展於 2019 年在東京都現代美術館首展後，曾巡迴至日本兵庫、福岡與青森等地，此次為展覽首次海外展出。不只邀來日本平面設計師葛西薰打造主視覺，並由日本建築師田根剛操刀空間設計，以 8 大展區「雲、實、森、芽、風、根、種、土、葉」分別體現 minä perhonen 經典布料、時裝、家飾、設計模型，以及設計師的插畫手稿、設計原稿、錄像，與文獻檔案等近 950 件展品。

展覽不以時間先後順序為依據，也不只聚焦成品，反而透過大量物件製作過程的梳理，讓人從而瞭解到設計是如何從草稿、概念，歷經職人工藝等不同階段，去賦予材質豐沛的生命力。開幕首日設計師皆川明也親臨展場帶逛展覽，一起聽聽他所分享的精彩展品與設計觀點吧！

在國際時尚圈有著獨特地位的皆川明，1995 年成立了「mina」，正是知名日本設計師品牌minä perhonen的前身，懷抱著「打造至少延續百年的品牌」的想法，他以不追隨流行、可長年穿著的「特別的日常服」，透過持續不斷創造的獨特風格，成為全球知名時尚品牌。

作為 2022 台灣設計展城市平行展覽壓軸場，《minä perhonen /皆川明 つづく》大展以「つづく」（音：TSUZUKU）作為展覽命題，有著「延續」之意，不只是品牌在時間軸的延續性，也代表連結、連續、攜手、循環等人事物所共同產生的連結及能量。

此展以八大子題呈現設計脈絡，讓人透過製物的過程，拉近人與物的關係，一如皆川明所說的，「永續不只是物質上的循環，透過人的思考把設計轉化成物品，並停留在人的記憶之中，同樣也是一種身心與物質之間永續循環的體現。為完整呈現展覽原貌，品牌團隊亦親自飛到台灣佈展。

不過在踏入展場前，不妨先駐足高美館大廳，一睹以年表形式呈現品牌歷史軌跡的展區〈空〉，感受 minä perhone 自 1995 年成立之初即立定「至少要延續百年」的願景，以及 2000 年發表的刺繡圖案鈴鼓（tambourine）如何一舉成為品牌經典象徵等數個重要時刻。同時也能藉由展區〈雲〉不按設計年代排列展出的經典紡織設計品，體現到 minä perhone 永不過時的設計巧思。

接著就讓我們跟著皆川明的腳步一起來看展吧！

展區〈實〉—探索經典「鈴鼓」（tambourin）圖紋的秘密

2000 年誕生的 tambourin，由 25 個小巧的圓點組成一個柔和的圓圈，乍看整齊排列，其實每個圓的形狀、間距都略有不同，每繡出一個需要花費 9 分 37 秒，至今已製作出 124.6518 km 的布料長度，602 款不同布料、顏色，亦為品牌的經典代表。皆川明亦提到，「一顆顆的圓點就像人的性格，每個人聚集起來，就會變成一個社會、國家、地球，而這樣的圓背後也有曼陀羅（梵語：Mandala，指神聖的圓輪，小圓在此代表自我）的概念隱藏其中。」

展區〈森〉—集結27年來180多件服裝，無新舊之分、永不過時！

通常時尚展覽都會標示出創作年代與設計者，但〈森〉最大的特色在於不以時間及季節時序做為類別，也沒有新舊之分，而是以一種大型裝置藝術的方式呈現，展示著品牌創始至今，27 年來所發布過的 180 多件服裝，讓人充份領略到不被流行所侷限的通用設計之美。

展區〈芽〉—親眼感受布料設計圖手繪原稿

此區主要呈現設計的初始，因 minä perhonen 製造工藝之特色在於設計始於布料，再做成服裝。因此現場主要展出皆川明和田中景子等品牌所屬設計師的布料設計圖與原畫手稿。

無論是在印刷用原畫中的手繪線條和顏色層疊，紡織用的設計裡，從線絲到紡織法的細緻考量，或是刺繡的立體縫線；當設計圖被交付到日本國內頂尖職人們的布料工廠時，會經由反覆討論後，最終製成現在所看到的紡織品樣貌，至今 minä perhonen 已生產出超過 850 款設計樣式。因此在展區〈芽〉，大眾可透過鮮少展出的設計圖，深入瞭解設計過程中的巧思。

展區〈根〉—不同於織品設計的皆川明插畫風格

〈根〉展區主要著眼於皆川明個人的創作，此區完整呈現他為朝日新聞連載專欄《週日所思》，以及川上弘美長篇小說《去森林吧》所繪製的插畫。皆川明的插畫有著細膩的點和線，與他在織品設計的表現手法相當不同，光看到這些充滿童趣、擬人化的動物形象，就會忍不住會心一笑。

展區〈種〉—挖掘材料的設計發想與製物哲學

皆川明 19 歲時首次造訪芬蘭，那次的旅行經驗深深影響了他日後的設計工作，其中他在拉普蘭當地曾因為要去看北極圈，買了一件由當地設計師設計，售價高達十萬日幣的外套，雖然因此窮到旅費見底，但皆川明表示，「我當時把身上所有的財產都拿來買這件外套，讓我深刻感受到一件衣服能發揮的力量有多大。」而這件衣服如今也在展區〈種〉中現身。

時尚品牌起家的 minä perhonen 自 1999 年起便跨足至原創設計傢俱，2008 年更擴展至餐具系列，持續與日本國內外品牌及創作者合作。而〈種〉則以詳盡的文獻檔案介紹設計思維、原型、靈感來源，以及品牌的製物哲學與創作想法，讓大家可以瞭解到設計從發想到具體成形的過程中，必須歷經多少種材料、製程，耗費多少人力的勞力和時間，才得以將物件呈獻在大眾面前。

展區〈土〉—人與物之間，最溫暖的記憶連結

此區展示出設計之於使用者，不僅具有物質價值，還創造了另一種內在價值，即人類的記憶。〈土〉特別展出從顧客那裡借來的衣服，上頭以文字記錄著它們已被穿了多少年，以及它們所包含的記憶。這區呈現此次展覽中非常重要的一個概念，即是人們在擁有物質的同時，記憶也隨之疊加而上，因此皆川明希望透過這些展示品，讓大家感受到，無論記憶是喜悅還是悲傷，對人們來說都是溫暖且珍貴的存在連結。

這是一檔極其精彩且難得的展覽，藉由此展大眾將能發現到每件設計所刻劃的風景與創造的想像世界，皆是連結觀者內在的一則故事，因此當我們開始投射情感後，物件就不再只等同物質，也能成為記憶與情感的媒介。

尤其身處世事講求高速運轉的時代，買下一件能穿著十年、甚至可以傳承給下一代的服飾，乍聽之下有些許不可思議，然而當我們走進展場，實際感受皆川明的每件設計品背後所講究的工藝、信念與熱忱之後，或許我們也有機會嘗試慢下來，靜心感受人與物件間更深刻美好的親密關係。

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