朱銘美術館年度大展，臺灣當代雕塑展《恆形—雕塑作為方法》集結 20 組藝術家，以拓樸視角重塑觀看體驗
2024 年針對臺灣當代雕塑，朱銘美術館探討多元面貌的《流形》，2026 年再度推出重量級年度大展mdash臺灣當代雕塑展《恆形mdash雕塑作為方法》（Taiwan Contemporary Sculpture Exhibition ldquoInvariant Form: Sculpture as Methodrdquo）。由策展人沈伯丞策劃，集結 20 組臺灣跨世代當代藝術家，自 2026 年 5 月 9 日起，將朱銘美術館的全館區域轉化為一個挑戰視覺與身體感知的巨大「拓樸場域」。
蔡瑜《吾名是》，2023。拾得物 (鏡子 )、 壓克力ABS塑膠、LED燈，116 x 900 x 80 cm。圖 / 朱銘美術館提供。
策展人沈伯丞現場導覽。劉柏村《宇宙系列1.恆古之石、2.大地之母、3.宇宙人類》，不銹鋼 、Led 、金剛砂，2022。160 x 160 x 80cm、140 x 140 x 110 cm、140 x 140 x 70cm。圖 / 朱銘美術館提供。
章芙菱《一的生成：摺疊的連續場域》，2026。紙（紙構結構／模組系統），尺寸依場地而定。圖 / 朱銘美術館提供。
藝術是用「修」的：在傳承中深掘雕塑本質
於開幕儀式中，財團法人朱銘文教基金會董事長葉樹姍於開場致詞時感性提到，美術館創辦人朱銘先生曾說：「藝術不是用學的，藝術是用修的。」 葉董事長強調，這份修煉的精神，核心在於不間斷地追求進步與突破，朱銘美術館也持續在「修」的路上求進步，從前年探討多元面貌的《流形》，到今年的《恆形》，正是一次對藝術本質更深層的修行與挖掘，展現美術館在當代雕塑論述上的進階與深耕。朱銘美術館作為教育、交流與傳承的轉運平台，不僅守護經典，更要在當代的對話中，讓世界看見臺灣雕塑的生命力。
徐均育《市場攤販ndash斗笠阿婆》，2025。紅銅線、木板，尺寸依場地而定。《市場攤販-墨鏡阿婆》，2025。紅銅線、木板，尺寸依場地而定。《市場攤販-推車阿婆》，2025。紅銅線、木板，尺寸依場地而定。《光陰如是說Ⅰ~Ⅴ》，2023。紅銅線、木板，尺寸依場地而定。《口罩習性Ⅰ~Ⅳ》，2023。紅銅線、木板，尺寸依場地而定。《廟前群聚Ⅰ》，2023。紅銅線、鐵線，尺寸依場地而定。圖 / 朱銘美術館提供。
陳欣孟《無法回頭，直到顛倒》，2026。木板、不鏽鋼、控制器、升降馬達、玩具汽車、軸承、壓克力板，尺寸依場地而定。圖 / 朱銘美術館提供。
拓樸學轉向：在萬變形態中尋找「不變的關係」
本展核心概念「恆形」，來自數學拓樸學（Topology）。策展人沈伯丞帶領觀眾從拓樸學視角出發：「當形體被彎曲、拉伸，那些始終保持不變的『結構關係』，正是我們理解當代藝術的關鍵。」
沈伯丞指出，拓樸學研究的是形體在變形中依然維持的屬性（稱為「不變點」）。他認為，自1968年日本物派藝術家關根伸夫的《位相mdash大地》以來，當代藝術便產生了「拓樸學轉向」。《恆形》並非指涉某種視覺風格，而是一種思考方式mdashmdash在媒介不斷轉換的過程中，辨識出那些恆久成立的內在邏輯與空間關係。
陳冠豪《雲渡脊》，2026。紙、石墨，0.5 x 800 x 110 cm。圖 / 朱銘美術館提供。
吳建興《鐵殼mdash共振》，2025。MINI車體、玻璃纖維、3D 列印、矽膠、 機械動力、 鐵、馬達，170 x 410 x 220 cm。圖 / 朱銘美術館提供。
跨世代的拓樸對話：二十年當代藝術的演進軌跡
本次參展的20組藝術家mdash何偲菁、吳建興、姚仲涵＋劉東昱、徐均育、張永達、章芙菱、陳松志、陳欣孟、陳俊宇、陳冠豪、陳肇驊、曾偉豪、陽春麵研究舍、劉千瑋、劉柏村、蔡瑜、蔡影澂、賴彥勳、賴科維、雜波，其創作語彙涵蓋動力裝置、聲音藝術、現地製作與複合媒材。本展集結多位獲臺灣臺北美術獎、高雄獎、台新獎，林茲電子藝術獎等，以及國際威尼斯拉古納藝術獎獎項得主，同時包含臺灣中生代雕塑代表與聲音及光電科技成功跨入大眾感官視野的領軍人物，除此，這些藝術家多數擁有豐富的國際駐村經驗，這代表他們的作品語彙是不分國界的，能與全球當代藝術脈絡直接對接。這群藝術家的集合，象徵了臺灣從傳統雕塑到空間感知，再到科技與生物共生的一條完整藝術演進軌跡，勾勒出臺灣當代藝術極具爆發力的創作光譜，更牽起一場橫跨二十年的跨世代對話。這段演進軌跡有力地應證了「雕塑作為方法」在不同世代創作者手中，皆展現出深刻的延續力與拓樸式的變形。無論外在形態如何幻變，其探問空間的結構關係依然恆定且不斷裂變。
賴科維《一些杯子》，2024。陶，尺寸依場地而定。圖 / 朱銘美術館提供。
陽春麵研究舍《Inter Net》，2022。A4紙張輸出品、報紙雜誌冊子輸出品、書報架、桌椅、檯燈，尺寸依場地而定。圖 / 朱銘美術館提供。
感官重組：打破單一視角的空間調度
展覽打破傳統「凝視物體」的單一視角，將觀眾的移動路徑、觀看距離與感知節奏納入作品形態。在《恆形mdash雕塑作為方法》的展場中，藝術家以截然不同的媒介重新定義雕塑的邊界：張永達打造直徑逾六米的巨型環形矩陣《Without Composing_nordm1[ver.2]》，將空間中不可見的放射粒子轉化為蟲鳴與浪潮般的電子噪音，讓無形能量透過「聲網」被聽見；姚仲涵以聲光裝置《光電獸#48 - 第二風景》交織出極具張力的空間體驗；曾偉豪的互動裝置《延聲-流形》將日常對話的聲波頻率，以導電油墨繪製成視覺圖象，邀請觀者以身體觸摸這座「聲紋森林」進而觸發即時聲響，創造出被聲音穿透的全方位體驗；而陳松志的《無題（甦醒）》則將雕塑延展至嗅覺，藉由洗衣粉的氣味與平鋪織品，引導觀者在移動中感知物質轉移的痕跡。
張永達《Without Composing_nordm1[ver.2]》，2023。蓋格-穆勒管、蓋格-穆勒管模組、黑鐵烤漆，340 x 620 x 620 cm。圖 / 朱銘美術館提供。
姚仲涵＋劉東昱《光電獸#48 - 第二風景》，2026。電視、電腦，5 x 619 x 72 cm，2026。圖 / 朱銘美術館提供。
曾偉豪《延聲-流形》，2026。互動聲音裝置，擴大機，喇叭，導電油墨，木片，240 x 500 x 90cm、240 x 690 x 100 cm。圖 / 朱銘美術館提供。
陳松志《無題（甦醒）》，2026。洗衣粉、羅紋布，15 x 450 x 300 cm。圖 / 朱銘美術館提供。
時間的形體：在消耗與勞作中顯影
時間與系統的運作，亦成為本次展出的雕塑質地。陳肇驊的《島》構築了一個依賴機械強制運作的微型氣候系統，精準隱喻「生命建立於耗損之上」的短暫平衡；藝術團隊雜波（ZAP）的互動裝置《迴路軌跡》將看不見的電流轉譯為隱秘的光點密碼；賴彥勳的新作《漆黑包圍漆黑》則透過高度的勞作堆疊，將繁瑣的思考過程轉化為物質材料的「詩性製造方法論」。
陳肇驊《島》，2025。鐵、壓縮機、銅、土、植物，94 x 44 x 151 cm。圖 / 朱銘美術館提供。
雜波《迴路軌跡》，2025。不鏽鋼絲、LED、馬達、電子元件，380 x 80 x 80 cm。圖 / 朱銘美術館提供。
賴彥勳《漆黑包圍漆黑》，2026。生漆、碳粉、不鏽鋼，150 times 150 times 240 cm。圖 / 朱銘美術館提供。
身體與制度的拓樸：行為作為雕塑
更具突破性的是，雕塑的客體甚至轉向了藝術家本身的生命狀態。陳俊宇長達半年的行為創作《TAKE CARE》，將創作預算與點鈔機封入玻璃展櫃，每月步入展場領取生活費。他將自身交付於美術館的經濟結構中，讓金錢具體地規訓其日常行為與時間，使作品成為一段持續被消耗與觀看的生命過程。
陳俊宇《TAKE CARE》，2026。白色地毯、木作展台、壓克力、水泥漆、藝術家費用，尺寸依場地而定。圖 / 朱銘美術館提供。
身體即尺度，走入藝術的新起點
臺灣當代雕塑展《恆形mdash雕塑作為方法》不僅是一場視覺盛宴，更是一次哲學層面的邀請。展期橫跨夏秋兩季，伴隨金山地景的光影變化，作品也將展現出不同的生命力。展覽期間，美術館亦將規劃一系列強調「身體感知與空間邏輯」的教育推廣活動，帶領大眾從全新的維度理解藝術。展覽呈現當代臺灣雕塑的多樣面貌，並嘗試以拓樸思維重新探問：何為雕塑的邊界？何為藝術認識的方法？在形態持續變動的當下，那些「恆久不變」的結構，也許正是我們理解藝術的新起點。
蔡影澂《漫步原風景》，2026。發泡砌石，尺寸依場地而定。圖 / 朱銘美術館提供。
劉千瑋《禁山14號系列》，2016ndash2025。複合媒材，尺寸依場地而定。圖 / 朱銘美術館提供。
何偲菁《電子翻譯員》，2022。電玩遊戲，尺寸依場地而定。圖 / 朱銘美術館提供。
展覽資訊
臺灣當代雕塑展《恆形mdash雕塑作為方法》
展期｜2026年5月9日minus12月20日
地點｜朱銘美術館（第一展覽室、戶外園區、本館）
策展人｜沈伯丞
展出藝術家｜何偲菁、吳建興、姚仲涵 + 劉東昱、徐均育、張永達、章芙菱、陳松志、陳欣孟、陳俊宇、陳冠豪、陳肇驊、曾偉豪、陽春麵研究舍、劉千瑋、劉柏村、蔡瑜、蔡影澂、賴彥勳、賴科維、雜波（依筆畫順序排列，共20組）。
主辦單位｜朱銘美術館