2026 台中國際藝術博覽會轉型首年，編輯精選十件作品推介！
台中藝術博覽會今年正式告別過去的飯店型博覽會模式，移師至台中國際會展中心舉辦，邁向更具國際博覽會規模的「展板型」展覽模式，並更名為「台中國際藝術博覽會」（下簡稱台中藝博），企圖與台北國際藝術博覽會（Art Taipei）形成南北呼應的藝術市場格局。
昨日（6/4）為 VIP 預展日，開幕記者會中，畫廊協會理事長陳菁螢表示：「2026 年台中藝博走向『展板型』規格，是我們深耕地方、推動市場進化的具體實踐。因應台中都會人口增長與展位爆滿，大會深切聆聽第一線回饋，將展商對大尺度巨作的空間渴望，與藏家對寬敞流暢動線的期盼完美結合。這次場域升級是協會深耕中台灣 13 年後的體貼實踐，共同形塑台中獨特的都會美學。」
台中藝博展會現場一景。圖 / 畫廊協會提供。
然而，畫廊協會與台中的歷史可追溯至1993年博覽會首度移師台中世貿中心。此後二十年間，台中藝文底蘊歷經關鍵累積；1994年全台首座「豐樂雕塑公園」落成，奠定台中「雕塑之城」的美學根基；1999年國美館改隸中央定錨學術高度，與2014年4月正式落腳台中的文化部「藝術銀行」總部相輔相成，共同構築起國家級的學術定位與美學流轉體系，不僅為中台灣美學流通注入關鍵能量，更逐步孕育出全台第二大收藏家聚落。
從現場觀察來看，展會升級後的空間尺度與動線規劃，確實讓畫廊在作品呈現上有了更多彈性。相較於過往飯店型藝博受到房間格局限制，此次展板型展位讓大型繪畫、裝置作品與系列性展出得以更完整地被觀看，也使觀眾在移動與停留之間，能以更接近國際藝博的節奏進入作品。
台中藝博VIP預展參觀人數絡繹不絕。圖 / 畫廊協會提供。
不少參展畫廊亦表示，昨日 VIP 預展吸引許多台中在地重要藏家到場，也有不少台北藏家特地南下觀展。現場人潮熱絡，藏家、藝術家、策展人與畫廊主在各展位之間穿梭交流，顯示中部藝術市場在場域升級後所展現出的集客能力與潛力。對畫廊而言，台中國際藝術博覽會的地位有望因博覽會的轉型與升級，逐漸成為接觸中部藏家、拓展區域市場與觀察臺灣藝術消費結構變化的重要場域。
在本屆台中藝博中，可以觀察到許多畫廊因著首屆博覽會的轉型，展位規格先以中型展位大小為主，但是在展出作品中除了中型尺幅為大宗外，以可以看見不少畫廊呈現了大型作品，例如亞洲藝術中心帶來李真雕塑巨作、漢雅軒展出葉世強寬達419公分的單幅油畫巨作〈大地之歌〉；藝術銀行展出黃海欣〈小確幸之河#2〉，三幅拼合總寬度直逼4.9公尺、一尊藝術帶來張宏吉的〈美金鯊〉，長達3.6公尺、大膽使用2000多張美元真鈔打造，氣場強大等。此外，展出媒材從繪畫、雕塑裝置、當代工藝，到回應地方記憶、身體感知與精神信仰的創作，呈現出更豐富的觀看層次，也讓觀眾得以在不同世代、媒材與地域脈絡之間，看見臺灣藝術市場持續擴張的能量。而非池中藝術網也在首日VIP預展中為讀者挑選了十件現場值得一看的亮點作品。
大雋藝術｜展位 A02
大雋藝術展出的藝術家Samantha French，出生並成長於美國明尼蘇達州北部，其作品品以水中人物肖像為核心，透過油畫描繪人在水下漂浮、潛入、上浮或閉眼沉浸的瞬間。她的創作靈感來自童年時期在美國明尼蘇達州北部湖泊中度過的夏日記憶，如溫暖的陽光、清涼的湖水、身體被水包覆時的寧靜，以及在自然之中短暫逃離日常的自由感，並試圖記錄下人物的臉部與身體因水波、光線與反射而產生扭曲、模糊與閃爍，使畫面同時具有寫實的細節與夢境般的氛圍。她同時以明亮而飽和的藍綠色調、流動的筆觸與層層堆疊的光影，捕捉水面折射、氣泡上升與肌膚被光線切割的微妙變化，讓觀者彷彿也被帶入水中，感受那一刻的靜止、失重與呼吸之間的停頓。
大雋藝術展出藝術家Samantha French的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
大雋藝術展出藝術家Samantha French的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
大雋藝術展位一景。圖 / 畫廊協會提供。
璞玉發光－「游移幻境」特展｜展位S02
璞玉發光－全國行銷活動本次於台中藝博推出特展《游移幻境》，匯聚 2025 年五位「璞玉獎」得獎藝術家共同展出。展覽以「幻境」作為觀看入口，呈現藝術家如何將個人的夢境、記憶、靈性感受與成長經驗，轉化為具象而奇異的視覺語言。
其中，藝術家陳奕龍此次展出的作品以「皮影」作為主要創作概念，運用牛皮、壓克力顏料等媒材進行轉化與詮釋。皮影作為傳統文化中的民間表演形式，長久以來與祭祀、信仰、神鬼敘事及口傳故事有著深層關聯。它原本透過光源、剪影與幕布來呈現角色與情節，雖然形式上是平面的影像，卻同時具有觀看、召喚、敘事與想像的功能。陳奕龍借用皮影這種介於真實與虛幻之間的特質，將其從傳統戲台與光影敘事中抽離，重新放置於當代藝術的空間之中，而在他的詮釋下，其角色帶有獸形、人形與神祇形象的混合特徵，既像是傳統皮影戲中的角色，也像是從夢境或儀式中現身的靈性存在。
璞玉發光展出藝術家陳奕龍作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
璞玉發光展出藝術家陳奕龍作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
璞玉發光展出藝術家陳奕龍作品一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
M+M Gallery ｜展位C02
來自香港的 M+M Gallery 此次於台中藝博展出英國藝術家 Damian Elwes 的作品。Elwes 長期以「藝術家的工作室」作為創作主題，並涵蓋不透明水彩與油畫等媒材，透過繪畫重構在世與已故藝術家的創作空間，如此一來，能夠藉由空間中的家具、畫布、工具、窗景與牆面作品等物件，使觀者得以窺見藝術家的創作狀態、思想軌跡、生活環境與美學世界。
此次展出的作品包括對二十世紀傳奇畫家喬治亞．歐姬芙（Georgia OrsquoKeeffe）、野獸派代表人物亨利・馬蒂斯（Henri Matisse）、瑞士當代藝術家尼可拉斯・帕蒂（Nicolas Party），以及日本當代藝術重要代表草間彌生（Yayoi Kusama）等藝術家工作室的描繪。Elwes 並非完全複製這些空間，而是包括融入自身的觀看與詮釋，將每位藝術家的風格、色彩、符號與創作氣質轉化為一個可被凝視的場景。這些畫面往往沒有直接描繪藝術家本人，卻透過空間本身召喚出藝術家的存在感。散落的顏料、未完成的畫布、擺放中的雕塑、窗外風景與室內光線，都成為理解藝術家創作世界的重要線索。
來自香港的M+M Gallery展出英國藝術家 Damian Elwes 的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
來自香港的M+M Gallery展出英國藝術家 Damian Elwes 的作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
觀止堂｜展位B02
觀止堂此次於台中藝博出日本藝術家野村仁衣那（Nina Nomura）的作品。野村仁衣那 1993 年生於日本東京，曾修讀文學，並於桑澤設計研究所學習空間設計。她自 2021 年開始以藝術家身份展開創作，作品多以日常生活中的現成物為載體，透過反覆鑿孔、穿透與轉化的方式，重新觀看那些原本被視為消耗品、廢棄物或短暫存在的物件。然而，野村仁衣那關注的不只是物件的表象，而是關於塑膠材料背後更深層的時間脈絡。她認為，塑膠多由石油製成，而石油作為化石燃料，來自古代海洋生物在漫長地質時間中經高溫高壓轉化而成的物質。換言之，一個看似輕薄、廉價且快速被消費的塑膠包裝，其實隱含著遠比人類生活更古老的生命痕跡與地質歷史。
而此次於台中藝博展出的作品，以臺灣廣為人知的零食品牌「乖乖」包裝作為主體。乖乖作為臺灣日常生活中極具辨識度的食品包裝，不僅承載著大眾的童年記憶、消費經驗與在地文化符號，也因其鮮明色彩與圖像設計，成為具有集體記憶的視覺物件。野村仁衣那曾提到，「打孔的行為是為了揭示這種材料的起源，並將其再現為一幅想像的景觀。」因此，她的作品並非單純將現成物變成藝術品，而是透過細緻、耗時且近乎儀式性的勞動，讓觀者重新意識到日常物件背後被忽略的生命史與物質循環。
觀止堂展出日本藝術家野村仁衣那（Nina Nomura）。圖 / 非池中藝術網攝影。
尊彩藝術中心｜D01
尊彩藝術中心此次於台中藝術博覽會的展出，與其過往在台北藝博中多以中生代至前輩藝術家、並從藝術史脈絡展開策劃的方式有所不同。本次展覽更聚焦於新生代至中生代藝術家的創作能量，並以「記憶的再建構」作為展覽主題，回應台中會展中心所在地的歷史與空間轉變。台中會展中心所在的水湳地區，過去曾為水湳機場，見證了戰爭、軍事、民航與城市發展等不同階段的歷史。如今，這片土地逐漸轉化為文化綠地、公共建設與城市新興空間，成為台中都市轉型的重要象徵。
其中展出的藝術家陳漢聲，其創作從自身家庭背景與身份經驗出發，延伸至對農業、自然環境與日常文化符號的關注。此次展出的作品中，手工紙、蓼藍、銀箔、銅箔、金箔等媒材，將人物、果實與自然符號轉化為像素化圖像，並置於畫面中心。這些形象看似簡化、童趣，彷彿來自早期電玩或童年記憶中的視覺碎片，實則揉合了臺灣本地農業文化、家族記憶與神農信仰等多重意涵。在陳漢聲的作品中，像素不只是數位時代的視覺符號，也叩問著記憶被切割、儲存與重新編排的方式。藝術家透過柔和色彩、細緻紋理與手工感的畫面處理，將原本偏向冷性的數位語言，轉化為具有身體感、勞動痕跡與時間溫度的圖像。作品因此不僅回應個人的成長經驗，也進一步連結土地、信仰與地方文化記憶，呈現記憶在當代視覺語境中被重新建構的可能。
尊彩藝術中心展出陳漢聲作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
尊彩藝術中心展位一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
多納藝術｜展位E13
多納藝術此次於台中藝術博覽會的展出，呈現出多元而豐富的繪畫面貌。從城市遠景、自然山色、花卉靜物，到充滿童趣、想像力與生命力的東南亞當代創作，展位中不同作品彼此呼應，構築出一個橫跨地域、風格與感知經驗的觀看場域。其中，懸掛於展位最外側的周政緯作品〈遠眺台中七期〉，以開闊的構圖與沉穩細膩的繪畫語彙，吸引不少觀眾駐足凝視。
〈遠眺台中七期〉以油彩描繪台中七期一帶的城市景觀。畫面中，高樓建築群層層展開，都市輪廓在遠近之間形成細緻的空間層次；遠方山脈則隱約浮現於淡淡霧氣與天光之中，使城市與自然在同一片視野裡相互交疊。周政緯並未將台中七期描繪成單純繁華、銳利或快速發展的都會象徵，而是以較為安靜、疏朗的視角，呈現城市在光線與空氣中被觀看、被沉澱的狀態。
周政緯長期關注臺灣城市景觀、山脈地形與時間感之間的關係。他的風景並非單純的寫實再現，而是透過光線、距離、空氣感與色層的細膩處理，捕捉人們觀看城市時所感受到的時間流動。
多納藝術展出周政緯作品-〈遠眺台中七期〉。圖 / 非池中藝術網攝影。
海神畫廊｜展位 D11
來自臺南的海神畫廊此次於展會展出八位當代藝術家的作品，呈現出多元而細膩的創作面貌。其中，展位最外側展出的日本藝術家中莖あかり（Akari Nakakuki）作品，以柔白的陶質肌膚、靜謐的人像姿態與介於人類、動物和想像生物之間的造形語彙，吸引觀眾駐足凝視。
中莖あかり 1993 年出生於日本東京，是近年備受關注的年輕藝術家。她以陶為媒材，塑造出具有光滑肌膚與細膩表情，使作品呈現如純白、近似陶瓷器皿般的肌膚，帶有潔淨、脆弱與靜止的特質；尤其她筆下創造出的人物，有著孩童般的純淨、少年般的脆弱，也帶有某種非人、精靈或動物性的想像，游移於現實人物與幻想角色之間。而她的創作最迷人之處，在於其人物形象並不強調傳統意義上明確的性別特徵。若說二十世紀的雕塑與身體表現，常以強烈的量體、肌肉與姿態來刻畫「男性」或「女性」的肉身，那麼中莖あかり所創造的形體，則更像是超越性別分類後的存在。此次展出的作品中，可見藝術家對臉部表情、眼神與肌膚質地的細膩處理。人物睜著淡色眼眸，神情平靜而若有所思，彷彿正與觀者對視，又像是停留在自身的內在世界之中。
海神畫廊展出日本藝術家中莖あかり（Akari Nakakuki）作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
海神畫廊展出日本藝術家中莖あかり（Akari Nakakuki）作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
寬藝術｜D06
寬藝術本次於台中藝博以「微物之城」為題，展出五位台日藝術家的作品。其中展出的藝術家陳于文（1992-），主要以壓克力彩繪於畫布或木板上進行創作。他的作品常從腦海中浮現的空間影像、零碎印象與片段記憶出發，將看似不連續的場景重新組合為帶有敘事性的畫面。這些畫面並非直接再現某個具體地點，而更像是由記憶、想像與感知交疊而成的心理風景。藝術家透過小尺寸木板、厚實物件與牆面配置，使單件作品既像一幅畫，也像一個微型場景或被截取下來的空間切片。
在陳于文的作品中，室內、城市、山林、海岸、道路、窗景與日常物件經常被壓縮在小小的畫面之中。藝術家一方面在單件作品內切換不同視點，使觀者難以用單一透視進入畫面；另一方面也透過椅子、門、窗、房屋、樹木、電線桿或遠方地景等符號化物件，暗示畫面彼此之間可能存在的連結。這些物件像是故事中的線索，引導觀者在不同作品之間來回觀看，試圖拼湊出一條隱約存在卻又無法完整抵達的敘事路徑。
寬藝術展出藝術家陳于文作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
寬藝術展出藝術家陳于文作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
寬藝術展出藝術家陳于文作品一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
晴山藝術中心｜D12
晴山藝術中心此次於台中藝博展出多位當代藝術家的作品，呈現不同世代藝術家在媒材、形式與精神內涵上的多元探索。其中，藝術家吳熙吉（1965-）的作品以鮮明的色彩層次、富有象徵性的圖像語彙，以及對生命哲思的持續探問，展現出其創作歷程中由抽象轉向具象、由內在感知延伸至社會關懷的藝術脈絡。
吳熙吉為自學成師的藝術家，長年投入繪畫創作，使用媒材相當豐富，涵蓋素描、水彩、油畫、水墨、粉蠟筆與綜合媒材等。此次展會，吳熙吉帶來 2025 年最新油性粉彩作品，以及其創作生涯中較為少見的水彩小品。經過多年媒材實驗與技法累積，他發展出不使用噴膠固定油性粉彩的創作方式，使作品不僅能避免掉粉，也讓紙本呈現出近似布質般的細緻肌理。透過層層堆疊的色彩與筆觸，畫面形成神祕而深邃的色調，彷彿將人物、島嶼與內心風景交織為一種精神性的視覺場域。
吳熙吉的作品風格大致可從「軀殼」與「島嶼」兩個重要概念切入。本次展出作品更趨向於「島嶼」系列，藝術家認為，每個人都需要擁有一座屬於自己的島嶼，那不只是地理上的孤立之地，也象徵著一處可被探索、可被追尋，也能讓人重新獲得力量的精神領域。島嶼在他的作品中代表神秘、機會與未知，也象徵重生的希望。當人面對生命中的不確定與困境時，島嶼便成為一種內在方向，使人得以持續前進，尋找屬於自己的安放之處。
晴山藝術中心展出藝術家吳熙吉作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
晴山藝術中心展出藝術家吳熙吉作品一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
晴山藝術中心展位一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
丹之寶｜E03
丹之寶成立於 2018 年，座落於臺北大直明水路，是臺灣少數專注於推廣喜馬拉雅地區現代與當代藝術的畫廊之一。此次展場中央展出的作品，為尼泊爾裔美籍當代藝術家 Tsherin Sherpa 的《祈願樹》。此作自 2016 年起發展為裝置系列，作品由七層銅製 repousseacute 錘鍛凸起曼陀羅結構組成，並與尼泊爾傳統工藝大師合作，以手工方式製作完成。藝術家在作品中重新詮釋尼泊爾古老的銅器工藝，使其不僅保留技術層面的精緻與文化傳承，也進一步被帶入當代藝術的觀看語境之中。
《祈願樹》的創作靈感源自 2015 年尼泊爾大地震後的情境。當時 Tsherin Sherpa 自美國返鄉，親眼見到災後景象，如倒塌的建築、破碎的生活物件、受損的寺廟與人們面對災難後仍持續生活的狀態。這些經驗成為作品的重要起點。藝術家將精緻而閃耀的銅雕曼陀羅結構，放置於由瓦礫、碎片與生活物件構成的基座之上，使作品同時承載毀壞與重生、創傷與祈願、脆弱與韌性的多重意涵。曼陀羅在佛教文化中常被視為宇宙秩序、精神修行與內在轉化的象徵，而作品中的七層曼陀羅向上生長，猶如一棵由信念與願望構成的樹。
丹之寶展出尼泊爾裔美籍當代藝術家 Tsherin Sherpa。圖 / 非池中藝術網攝影。
丹之寶展出尼泊爾裔美籍當代藝術家 Tsherin Sherpa。圖 / 非池中藝術網攝影。