穎川畫廊《生命的底色》吳丁賢個展，以線條探詢美感本質與存在軌跡
藝術家吳丁賢（1963-）與穎川畫廊合作，於2026年5月發表《生命的底色》個展。本次展出的作品延續藝術家多年來對於「線條」的研究，呈現了吳丁賢相當成熟的美學探索。英文標題 Life Beneath White可直譯為「白色之下的生命」，預示了在一層層反覆增減的顏料之下，作品所指向的美感探詢。
吳丁賢出生於台灣雲林，成長於嘉南平原廣闊的田野之間。童年時長時間面對一望無際、地平線劃開天地的視覺經驗，似乎在無形之中影響了日後的構圖思維。國中畢業後，吳丁賢並沒有直接走向藝術創作，而是打包行李離家謀生。從木工學徒做到師傅，不到二十歲就能獨當一面。接著與兄長一起從事各種鐵工、沖床加工的工作，卻因手部受傷，不得不暫停上工。在休養期間，吳丁賢有機會放慢腳步、思考未來。幾經思考後，依循著興趣考入復興商工美工科，開始接觸正規的繪畫訓練。而後考取台灣藝專，受到前輩藝術家楊三郎的指導與照顧，也在與前輩的相處中，學習到了藝術家嚴謹的自我要求。畢業後，吳丁賢申請到了赴美舊金山藝術學院進修的資格。這段留學經歷的重要性不僅在於美學上的深造，也開啟了他多方思辨的契機。四年的留學生涯，成為日後建立美學觀點的重要養分。
藝術家吳丁賢。圖 / 穎川畫廊提供。
吳丁賢作品－〈起〉，27x34.5 cm，油畫 畫布，2025。圖 / 穎川畫廊提供。
有意思的是，吳丁賢在美留學期間，刻意將在台灣的創作經驗「放在台灣」，從最基礎的素描和觀察方式重新學起。返國後則是再次將美國的收穫刻意「留在美國」，重新從台灣的土地與生命記憶出發，摸索只屬於自己的創作模式。兩次的放下，並非推翻或放棄，而是在將過去積累的學識與經驗內化之後，跨出慣性框架，重新自問。於是吳丁賢的創作，最終落在一個非常個人、卻又能夠跨越文化框限的位置上：以線條、明暗與面積的比例這些最普世的視覺元素為核心，建構出不同文化背景的觀者都能感到觸動的視覺語彙。
吳丁賢作品－〈牽〉，91x91cm，壓克力 畫布，2025。圖 / 穎川畫廊提供。
吳丁賢以「線」為核心的創作，歷經城市空間線條系列、大形無限系列、舞線系列，一路演化至今日的《生命的底色》。近年作品以大塊面的白色為主調，其上分布著直線、曲線與若隱若現的色彩層次。這些元素的安排並非預先規劃的，而更像是一個有機、持續生長的狀態。吳丁賢解析自身的創作步驟時提到，最初往往是恣意揮灑地使用色彩與筆觸，接著會一次次地覆蓋、修改與擱置。許多時候，像是藝術家與畫面進行對話，如同陪伴一個生命的成長。作畫的過程，像是見證了一個孩子在摸索中逐漸長大成人。畫面中各式各樣的痕跡，都成為這些過程存在的證據。
吳丁賢作品局部細節。圖 / 非池中藝術網攝。
以無形之物描繪無形之物，有時候比具象創作更容易陷入困局。面對畫面出現的問題，吳丁賢的求援方式相當明確：去看古典繪畫，或去故宮。例如林布蘭畫面中建築物的幾何線條，與人物群像的自然曲線，如何在同一個空間裡共存、互相搭配、彼此對話。他將那些線條全部抽離出來，重新組合比例，觀察以那樣的結構關係重新構成的畫面，在當代語境中會呈現什麼。這個解決困境的方式不是復古，而是一種對根源的信任。那些最基礎的事物，往往也是最普世的事物；最古老的答案，往往也是最有可能接近雋永的答案。
吳丁賢作品局部細節。圖 / 非池中藝術網攝。
對吳丁賢而言，線條、明暗與面積的比例，是決定畫面主旋律的關鍵，不該輕易改動。色相的重要性次之，能夠讓旋律的層次更為豐富。肌理則更像是點綴，形塑的是細節處的感動。對於長期研究線條的吳丁賢而言，直線是幾何的、人造的、冷硬的，曲線則是有機的、自然的、有溫度的。吳丁賢擅長將兩者並置，當兩者相遇，畫面便有了一種撞擊感。這種視覺元素間的競合關係，也延伸至畫面的其他面向。進而在多方取捨之下，最終取得階段性的平衡。
吳丁賢作品－〈楓〉，130x130cm，油畫 畫布，2024。圖 / 穎川畫廊提供。
吳丁賢為作品命名時，習慣於刻意的簡短。原因是：「我不想讓作品名稱影響觀者，而單一個字的想象空間更大，可以讓感受更不受限制」一個字的命題，提供的是一個方向感、一個可辨認的代號，但不框定解讀。以作品《楓》為例，大面積的白色上聳立的形象，像是遠方的山形，也像是某種堆積物的剪影，在抽象與具象之間懸浮。那個形並不指向特定的現實物象，卻也不完全脫離現實的引力，更像是一個記憶的輪廓、一個感知之後留下的形狀，一個「某個東西曾經在這裡」的證明。《旋》與《揮》則更關注於純粹的筆觸表現。各種線條，帶著身體動作的痕跡、揮動的速度與某個瞬間的決定性。它們不描繪任何具體的形象，卻有一種強烈的「臨場感」，讓觀者得以感受到筆觸落下的那一刻，感受到那個動作背後的力量與方向。
吳丁賢作品－〈旋〉，60.5x72.5cm，油畫 畫布，2024。圖 / 穎川畫廊提供。
細觀吳丁賢的畫面，會發現系列作品中存在著諸多碰撞：純白的覆蓋、活潑的用色、自由的筆觸、嚴謹的直線與隱而未顯的肌理，時輕時重、或急或徐、且動且靜。這些元素經常顯得極端矛盾而複雜，卻在最終歸於某種相輔相成。而當這些視覺感受同時顯現時，作品就顯得難以定義。然而事實上，吳丁賢的繪畫所關注的，從來就不是故事性的敘事，甚至不是記憶或時間的流動。
吳丁賢作品－〈揮〉，34.5x27cm，油畫 畫布，2025。圖 / 穎川畫廊提供。
吳丁賢的繪畫，指向的是「美感的本質」與「存在的證明」
從田野到城市、再到海外的生命歷程，吳丁賢親身感受過多元的美學品味與追求。無論從美術史、人文脈絡、審美偏好或發展趨勢而言，不同環境所養成的美學期待，往往存在巨大的差異。面對多種美學觀的相互參照，吳丁賢試著透過非符號、不具指涉性的視覺元素，在以「線」為核心的軸線上，讓各式各樣的筆觸相互對話、激盪。從繁複走向澄澈，需要勇氣，也需要耐心。吳丁賢經由不斷地提煉，建構自身的藝術語彙，並將此作為探詢美感本質的方法。
穎川畫廊《生命的底色》吳丁賢個展 展場實紀。圖 / 非池中藝術網攝。
當視覺元素的屬性回歸到構圖與筆觸，它們的意義自然不會是議題或故事，而是回歸到彼此之間的關係。在反覆的交互作用之下，每一個元素彼此影響，形成了某種純粹的競合。或許今日強而有力的直線是畫面的主角，但有可能在一段時間後被覆蓋，成為介於存在與不存在之間的過渡。也或許一抹恣意揮灑的淡淡色塊，會逐漸被強化為視覺的焦點。這樣的過程猶如生命的成長，認知與行為模式一點點地解構、重組。而這樣的過程所顯示的，並非某個結論，而是存在本身的證明。
穎川畫廊《生命的底色》吳丁賢個展 展場實紀。圖 / 非池中藝術網攝。
上述兩個課題，皆是人類難以取得客觀定義的永恆探問。於是吳丁賢對於「作品的完成」，一直懷抱著開放的態度。在畫室中，一件作品在對外發表前，始終處於「隨時會再畫」的狀態。吳丁賢或許會在某個階段擱置畫面，隔一段時間後再進行增減取捨。這並不是因為擱置時的畫面狀態不夠好，而是因為作品仍在成長。甚至很有可能在拍照建檔、公開展出的前一天，畫面都還處於可修改的狀態裡。而當同一位觀者面對相同作品，間隔一天、一年或十年，也都可能有截然不同的感觸。吳丁賢的作品，細緻地回應了這些「永遠不會有單一解答、但永遠值得討論」的探詢。
穎川畫廊《生命的底色》吳丁賢個展 展場實紀。圖 / 非池中藝術網攝。
走進《生命的底色》的展場，抽象的視覺元素細緻的建構出了舒適的美感體驗。進一步感受時，則是會被看似簡明、實則層次豐富的層次深深吸引。可以再次感受到，吳丁賢在視覺表現層次的深遠體悟。生命從來不是一條筆直的路，卻始終朝著同一個方向：趨近那個最普世、最回歸本質的美感頻率。並且在創作的痕跡中，留下存在的證據。這樣的脈絡，讓吳丁賢的作品存在著一種安靜而渾厚的生命力，也清晰地傳達著一位藝術家對於美學課題的重重思辨。
展覽資訊
《生命的底色-吳丁賢創作個展》
日期：2026-05-16 ~ 2026-07-10
地點：穎川畫廊（台北市中正區仁愛路一段45號2F）