朱銘美術館年度大展《恆形—雕塑作為方法》 當代藝術家重塑觀看體驗
【記者 陳安婷/採訪報導】
朱銘美術館2026年重量級年度大展—臺灣當代雕塑展《恆形—雕塑作為方法》(Taiwan Contemporary Sculpture Exhibition “Invariant Form: Sculpture as Method”)，自5月9日起，在朱銘美術館展出。該展由策展人沈伯丞策劃，集結 20 組臺灣跨世代當代藝術家，將全館區域轉化為一個挑戰視覺與身體感知的巨大「拓樸場域」，呈現當代臺灣雕塑的多樣面貌，並重新探問：在形態持續變動的當下，那些「恆久不變」的結構，也許正是我們理解藝術的新起點。
財團法人朱銘文教基金會董事長葉樹姍表示，朱銘先生曾說：「藝術不是用學的，藝術是用修的。」 這份修煉的精神，核心在於不間斷地追求進步與突破，朱銘美術館也持續在「修」的路上求進步，從前年探討多元面貌的《流形》，到今年的《恆形》，正是一次對藝術本質更深層的修行與挖掘，展現美術館在當代雕塑論述上的進階與深耕。
本展核心概念「恆形」，來自數學拓樸學(Topology)。策展人沈伯丞從拓樸學視角出發：「當形體被彎曲、拉伸，那些始終保持不變的『結構關係』，正是我們理解當代藝術的關鍵。」他指出，拓樸學研究的是形體在變形中依然維持的屬性(稱為「不變點」)。他認為，自 1968 年日本物派藝術家關根伸夫的《位相—大地》以來，當代藝術便產生了「拓樸學轉向」。《恆形》並非指涉某種視覺風格，而是一種思考方式——在媒介不斷轉換的過程中，辨識出那些恆久成立的內在邏輯與空間關係。
本次參展的 20 組藝術家中，多位獲臺灣臺北美術獎、高雄獎、台新獎、林茲電子藝術獎等，以及國際威尼斯拉古納藝術獎獎項得主，同時包含臺灣中生代雕塑代表與聲音及光電科技成功跨入大眾感官視野的領軍人物，其創作語彙涵蓋動力裝置、聲音藝術、現地製作與複合媒材。
這些藝術家多數擁有豐富的國際駐村經驗，作品語彙不分國界，能與全球當代藝術脈絡直接對接，象徵了臺灣從傳統雕塑到空間感知、再到科技與生物共生的一條完整藝術演進軌跡，勾勒出臺灣當代藝術極具爆發力的創作光譜，更牽起一場橫跨二十年的跨世代對話。這段演進軌跡應證了「雕塑作為方法」在不同世代創作者手中，皆展現出深刻的延續力與拓樸式的變形。無論外在形態如何幻變，其探問空間的結構關係依然恆定且不斷裂變。
此展打破傳統「凝視物體」的單一視角，將觀眾的移動路徑、觀看距離與感知節奏納入作品形態。在《恆形—雕塑作為方法》的展場中，張永達打造直徑逾六米的巨型環形矩陣，讓無形能量透過「聲網」被聽見姚仲涵以聲光裝置〈光電獸#48 - 第二風景〉交織出極具張力的空間體驗。曾偉豪的互動裝置〈延聲-流形〉將日常對話的聲波頻率，以導電油墨繪製成視覺圖象。陳松志的〈無題(甦醒)〉則將雕塑延展至嗅覺，藉由洗衣粉的氣味與平鋪織品,引導觀者在移動中感知物質轉移的痕跡，上述皆為藝術家以截然不同的媒介重新定義雕塑的邊界。
陳俊宇的行為創作〈TAKE CARE〉，則將雕塑的客體轉向了藝術家本身的生命狀態。他將創作預算與點鈔機封入玻璃展櫃,每月步入展場領取生活費。半年來，他將自身交付於美術館的經濟結構中，讓金錢具體地規訓其日常行為與時間，使作品成為一段持續被消耗與觀看的生命過程。
而陳肇驊的〈島〉、藝術團隊雜波(ZAP)的互動裝置〈迴路軌跡〉、賴彥勳的新作〈漆黑包圍漆黑〉，創作者在時間與系統的運作，亦成為本次展出的雕塑質地。
臺灣當代雕塑展《恆形—雕塑作為方法》不僅是一場視覺盛宴，更是一次哲學層面的邀請。展期橫跨夏秋兩季，伴隨金山地景的光影變化，作品也將展現出不同的生命力。展覽期間，美術館亦將規劃一系列強調「身體感知與空間邏輯」的教育推廣活動，帶領大眾從全新的維度理解藝術，歡迎前往觀賞。