「詮釋東亞抽象繪畫脈絡發展」－赤粒藝術展出「在抽象之間」
保羅‧塞尚（Paul Ceacutezanne，1839-1906年）為西方藝術史的美學思辨當中，最知名提出對於抽象藝術觀念的人，如其曾經指出自己的創作理念為：「線是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之間的對比。物象的體積是從色調準確的相互關係中表現出來。」並深刻的影響後續藝術家們對於美學詮釋的方法，同時間接的引發許多抽象藝術大師的出現，如馬列維奇、康丁斯基、拉里歐諾夫、宮察洛娃等。而這股由十九世紀末開始出現，於二十世紀初興起的風潮，也逐漸蔓延到國際間的討論。
赤粒藝術展出「在抽象之間」，提出東亞抽象藝術發展重要的三位藝術家。圖/赤粒藝術提供
有趣的是，隨著時間的推演，抽象藝術的發展，也受到更多派別的反動與辯論，因而呈現多元的面貌與形式，特別是在第二次世界大戰（World War II）之後，國際的藝術趨勢開始出現了許多關於物質性（Materiality）的探討，如觀念藝術（Conceptual art）、激浪派（Fluxus）等，也促使了抽象藝術可延伸的範疇更為寬廣，其所探討的不僅是對於物象形體的再現問題，更是對於背後帶給觀者在主體性、客體性之間的差異性感知上的思考，並能與個人經歷、社會脈動相互連結，提供更多的詮釋空間及觀看機制。
展覽空間照。圖/赤粒藝術提供
然而到了二十世紀後期，由當代美國著名哲學家及藝評家亞瑟．丹托（Arthur C. Danto）在1984年發表的一篇論文〈藝術終結〉（The End of Art），宣告了藝術發展史的終結，並歸納了於1960年代左右，開始出現了有別過去人們對於美學認知的創作，如Andy Warhol的作品《布瑞洛盒》（Brillo Box），意味著藝術品和真實物件之間的差異性界線被打破，同時也間接造成繪畫已死的再次討論，並對抽象藝術的創作進行再次的挑戰及反思。
展覽空間照。圖/赤粒藝術提供
不過抽象藝術並非因為當時代各種藝術派別的興起而消彌，反之它在形式上的表現，也跟隨著時代的推演，而有更多不同的觀念加入中，並以多元的方式，進一步的來討論藝術家本身經歷與客觀事實之間的連結。特別是在東亞藝術的抽象發展裏，我們可以發現一些特殊的藝術家，他們在國際浪潮之下的影響，並非一昧地跟隨主流，而是以自身的原創性觀點，來呈現藝術終結之後，我們又該以何種方式，進一步的呼應作品與社會之間的對應。在本次由赤粒藝術舉辦，文貞姬老師所策展的「在抽象之間」，便提出了東亞抽象繪畫史的重要脈絡，並舉出來自不同文化場域的重要三位藝術家，來為1970年代以後，韓國與日本至今的發展與樣貌，進行一個足具意義的定位以及未來可能性展延。展期由2019年7月13日持續至8月25日。
由左自右：赤粒藝術總經理陳慧君、策展人文貞姬。圖/赤粒藝術提供
以自我經歷詮釋文化主體性，擺脫西方大趨勢的牽絆
東亞抽象藝術的發展，受到的影響層面多元，除了西方的思潮以外，同時也與藝術家本身文化背景之間的轉移有關，特別是其長期面臨到文化主體性框架，與西方觀念之間的辯證及融合過程中，也會衍伸出許多不同的表現風格，如本次展出的三位藝術家李鳳烈（韓國，1937年生）、中村一美（日本，1956年生）、李鎮雨（韓國，1959年生），分別有各自的獨特性。
由左自右：藝術家中村一美、藝術家李鳳烈、藝術家李鎮雨。圖/赤粒藝術提供
他們所處的年代，正面臨到低限主義（Minimalism）、非定形藝術（Informel art）、單色畫（monochrome）等風潮。因此，要如何在這個大趨勢當中，找出自我風格上的定位，以及擺脫繪畫僅能限制於平面視覺上的陳述，便是很重要的議題。是故，我們可以看到作品當中，有許多的各自的陳述方式，例如視覺上為極簡、冷抽象的風格，但卻又具東方哲學形式於其中；抑或者是以東方媒材，來彰顯國際觀及社會性的議題；又或者是完全不依循任何脈絡，以自我長期研究後的成果體現等。
透過藝術家風格脈絡研究，提出其於藝術史上的特殊性
本次由赤粒藝術呈現的「在抽象之間」，主要是藉由研究每一位藝術家在藝術史脈絡當中，風格轉捩點的重要性，並與大時代背景相互對應，誠如策展人文貞姬所述：「每位藝術家的歷史定中的特殊性，在於他研究與創新風格的時間點。」
首先我們可以看到的是日本藝術家中村一美的作品，其畢業於東京藝術大學碩士，是繼日本具體派、物派之後，在1960年代至1990年代當中，受到國際注目的藝術家之一，並對繪畫的可能性提出新的思考方式，對日本現今藝術思潮影響甚深。針對這一點，策展人文貞姬特別與我們分享：「中村一美所思考的是1960代至1980年代當時的創作形式突破問題，尤其在當時觀念藝術盛行的情勢之下，要如何脫離西方藝術的影響，又能開創作自我的風格，同時有別於日本學院派，並能與國際對應，便是很重要的一環。」值得一提的是，2014年時，藝術家也曾於日本相當具有指標性的美術館－國立新美術館（The National Art Center Tokyo），舉辦過大型的回顧展。
展覽空間照。圖/赤粒藝術提供
中村一美的作品之所以具有代表性，主要是他提出了對於當時國際藝壇多次聲明的現象「繪畫已死」進行反動，並回歸到繪畫本質的探討，特別是當時觀念藝術盛行的情況，繪畫應該如何表現，以及其未來的發展方向之可能性。我們可以看到藝術家在形式上並不被歸類於當時候西方主流的低限、冷抽象風格，但視覺上具有理性結構，與個體記憶連結，同時卻又能將個體經歷與社會議題相互扣合，藉此連結理性陳述與客觀存在兩者間的牽絆。舉例而言，畫面中我們可以看到其整合肌理、色性、筆觸之間的調配，讓具有理性結構與抽象化線條、符碼的元素，統一性地安排於畫面之中，藉此來回應當下的社會議題，抑或者個人經歷，將客觀存在的事實，以自我原創性風格展現於觀者眼前。
展覽空間照。圖/赤粒藝術提供
不過，有趣的是，他的理性結構之脈絡根源，也與西方繪畫有很大的差異性，特別是這些圖樣化的風格，是以他獨特的視角觀察，進一步衍伸而來的，與模仿西方的形式有很大的差異性，如他的作品Y系列和C系列中的色感及傾斜網格呈現，社會語義學，以及鳥形符號的創作等等。此外，他的作品當中的理性結構元素，是藉由繪畫來觀看建築後，並將其透視感，錯視後產生的樣貌，並提出自我的語言來詮釋，探討人生死的議題，或者社會批判。
傾斜網格（Y系列和C系列）的脈絡和藝術家的家世有關，其外祖父在明治時代時期，為養蠶業，同時也為當時國家政策的影響者之一。而當時農場中的桑樹也近似於Y形，並和地圖上的產業字樣符號類似，因此將其引用於創作，用來詮釋透過社會產業類別可以來理解人的背景之意象。而這個認識論的延伸，也可連結到藝術家的社會語義學系列，如其描繪和三一大地震有關的創作，探討人和死亡之間的關係，以此來弔祭死者。鳥形符號的系列，是死亡與再生的探討延續，藉由飛行的鳥形象，營造出穿梭於前世今生般的感覺（參見策展人文貞姬專文「在抽象之間」）。
中村一美，初夏の地下茎，壓克力顏料、棉畫布，50.2times46.2 cm，2016年。圖/赤粒藝術提供
中村一美，破庵54（野坂岳），壓克力顏料、棉畫布，116.8times91.2 cm ，2019年。圖/赤粒藝術提供
中村一美，存在の鳥350（セッカ），壓克力顏料、棉畫布，100.2times72.7 cm ，2019年。圖/赤粒藝術提供 @P
另一個在展覽當中提出的藝術家為李鳳烈，其為二次世界大戰之後，韓國抽象繪畫第一階段的代表人物，同時也和朴栖甫同輩。當藝術家1968年去法國遊學時，便開始思索著繪畫要如何在極簡的樣貌當中，加入自我文化主體性的狀態與情感，同時又能有別於低限主義的風格脈絡，並能有自我原創的風格。因此，自1970年代開始，李鳳烈便不停地探索自我的創作，提出自己和其他藝術家風格上的差異性。
我們可以看到藝術家於1980年代開始，成功地以自我的方式，來對應個體記憶與文化情感。李鳳烈出生於北韓，但卻在韓戰之後，來到了首爾，並再也無法歸國，形塑出斷裂的鄉愁與情感。因此，其將此情感，結合自身小時候在居住於傳統韓式建築內中，所見的隔窗中的紙質與光線輝映之下樣貌，延伸到現今的創作之中，而其中我們所見的格線，都具有一絲一毫的細膩情感詮釋。（參見策展人文貞姬專文「在抽象之間」）。
展覽空間照。圖/赤粒藝術提供
李鳳烈，空間，壓克力顏料、鉛筆、麻布，100times100 cm ，1987年。圖/赤粒藝術提供
李鳳烈，空間，複合媒材、麻布，70times70cm ，2003年。圖/赤粒藝術提供
而到了1990年代的發展，策展人提出李鎮雨的作品與我們分享，其特殊性在於他以自身所屬文化的傳統媒材－韓紙，創造出具有時間性與三維空間延伸的作品，而這個作品的形式與內容之間，所牽絆而出的物質性探討，便是再現出藝術家對於生活中的反思與對內心平靜的永恆追求。舉例而言，藝術家是以韓紙作為基底，並藉由紙和碳，多次的拓印，表達獨特的紋理與立體感（三十層以上），而這個由平面性走向立體的過程，也詮釋了一種人和天的關係及狀態，同時也為屬性的探討及精神性的展現，最終打破了繪畫的邊界。策展人文貞姬亦進一步指出：「李鎮雨討論的是抽象裡面的物質性概念，特別指的是精神面貌。」值得一提的是，李鎮雨在法國發展時，正好被朴栖甫發現與欣賞，進而將其介紹到韓國，並受到學界的關注。
展覽空間照。圖/赤粒藝術提供
李鎮雨，無題，碳、韓紙，75times56 cm，2019年。圖/赤粒藝術提供
李鎮雨，無題，碳、韓紙，55times73 cm，2019年。圖/赤粒藝術提供
抽象之間－反應繪畫形式與內容之間的距離，仍有待被梳理的面向
透過上述三位藝術家的作品，我們可以發現他們的作品共同點，都是嘗試提出個體觀察與社會脈動之下的客觀存在性，而這個可以被討論的語境，其立基點處於作品形式與內容之間所對應出來的物質性層面，或者更直白一點的來說，它可以被稱之為感知。也因此，和他們所處年代當中的各種藝術派別當中的較為單一性地重視理性上的結構美感，或者抽象性的情感訴求，都有所不同。他們的藝術表現既可以被理解為微觀之下的探討，更可以是對應當時國際趨勢之下的宏觀論述。因此，我們在追溯每一位藝術家在藝術史上的獨特性，更應該考慮當時的背景脈絡之下來研究，如同策展人與我們分享的：「當我們在評估這些作品的獨特性時，必須參考該位藝術家風格成形之時的時代背景，來定義他的創新性（本質論）。」最終，這三位藝術家在年代上的風格創新，與彼此之間的差異性，也形塑了本次展覽「在抽象之間」的主軸概念。
由左自右：中村一美作品（局部）、李鳳烈作品（局部）、李鎮雨作品（局部）。圖/赤粒藝術提供
【展覽資訊】
赤粒藝術：在抽象之間
展期：2019年7月13日至8月25日
展出地點：106台北市大安區大安路一段116巷15號