跨界實驗室｜關於品味》設計之外，生活才是真正的作品──溫慶珠留下的創作觀點
台灣服裝設計師溫慶珠辭世，許多人重新翻出她歷年的作品，也重新回顧她創立 ISABELLE WEN 的四十年歷程。對許多台灣消費者而言，她代表的是一個品牌，也是一個時代：1980年代開始，台灣設計師逐漸以自己的名字建立品牌，陳季敏、竇騰璜與張李玉菁、溫慶珠等人，讓「設計師品牌」第一次成為台灣時尚產業的重要語彙，也讓本土設計開始擁有自己的文化位置。
但如果把時間再拉長一些，溫慶珠留下的價值，或許並不只是品牌，她留下的是一種創作者看待世界的方法。
多年前的一場訪談，當話題回到藝術與服裝設計之間的關係，溫慶珠沒有討論設計，也沒有分析自己的作品，而是先說了一句：「我從來不覺得我是設計師。」這句話幾乎決定了整場訪談的方向。
談到設計，她先談藝術；談到創作，她談的是生活；談到美感，她想到的是母親。整場訪談裡，很少聽見版型、布料、流行趨勢這些服裝設計常見的語言，反而一直圍繞著畫畫、旅行、電影、閱讀，以及日常生活裡那些看似與設計沒有直接關係的經驗。
這樣的對話，也說明了一件事。對溫慶珠而言，服裝從來不是創作的介面。
她談起自己的美感養成，第一個想到的是母親。從小跟著母親到旗袍店挑布、做衣服，學生時代一起看電影，這些事情沒有任何課程安排、也沒有明確的目的，卻成為她最深刻的記憶；另一段故事則發生在一間裱畫店，她望著作品，告訴母親：「我想學『這個』。」那個「這個」，就是嶺南畫派大師歐豪年。故事的後來，她開始跟著歐豪年學畫，畫畫也成為服裝之前更早開始的創作形式。
這些經歷有一個共同點。它們都不是設計教育，而它們累積的也不是技術，而是屬於創作者的「判斷力」。今天談設計，很容易把焦點放在作品，分析風格、材質、輪廓或色彩，但溫慶珠談的卻是另一件事情：一位設計工作者真正需要累積的，不只是技術，而是對世界的感受力；那些能力不一定來自工作，也未必來自學校，而是在長時間的生活經驗裡慢慢形成。
訪談中，有一句話比「我從來不覺得我是設計師」更能說明她的創作態度：「說到設計，我想我只花了十分之一的時間在做 fashion design，剩下的大部分時間都在旅行、生活，做大家覺得不重要的事。」這不是一種浪漫的自我描述，說明的是她如何安排自己的生命。當你發現，旅行不是為了尋找下一季靈感、看電影也不是研究流行趨勢，畫畫更不是服裝設計的準備工作，這些事情本來就是生活，而生活，最後自然進入作品，因此，設計不是一項獨立的工作，而是長期累積之後的一種表達。
因此，當話題回到美學，她提到美感可以透過衣服被表現，也可以存在於一道料理、一件家具、一個居家空間；不同媒介承載的是同一套審美判斷，衣服只是其中一種形式，並不是唯一的出口。
這也是理解溫慶珠最容易被忽略的一點。外界習慣分析她作品裡的東方元素，談中國文化、西方剪裁、古典與現代交融形成的「溫式美學」，這些描述並沒有錯，但如果只停留在作品本身，很容易忽略作品如何「形成」。她沒有先建立一套設計風格，再把它複製到每一季作品，而是先建立自己的生活，再讓作品慢慢長出來。
近年，「生活風格」成為品牌最熱門的語言。精品品牌經營旅館、餐廳與香氛，家具品牌談策展，服裝品牌販售的不再只是衣服，而是一種完整的生活提案。這樣的發展反映了產業策略的改變，也改變了品牌與消費者的關係；但溫慶珠提供的角度並不相同，她只是相信：一位做創作的人，不可能只有一種身分，也不應該只剩下一種語言，於是乎，畫畫、服裝、旅行、空間、料理等面向，看似不同，背後卻是同一套審美判斷。
這也是1980年代那一代台灣設計師最值得重新討論的地方。他們建立了品牌，也建立了台灣設計師的社會形象；更重要的是，他們大多沒有急著把自己限制在單一角色裡：設計、藝術、工藝、文化，彼此之間仍然保有流動的可能，品牌只是其中一種成果，而不是全部。
今天的創意產業，比任何時候都更強調定位。設計師需要建立鮮明風格，品牌需要一句話說清楚自己的特色，個人也需要透過標籤快速被市場辨識：這樣的環境提高了效率，也讓創作者更容易被固定在某一種角色裡。
溫慶珠留下的創作觀，提供了另一種提醒。作品的重要性，來自它反映了一個人如何生活，而不是一個人如何經營自己的身分。設計可以學習，市場可以分析，品牌可以建立；支撐一件作品的，始終是一位創作者如何累積自己的判斷，如何保持對生活的感受，也如何讓不同的經驗慢慢沉澱成自己的語言。
或許，這也是今天重新談論溫慶珠最值得留下的一件事。
她留下的當然是一個品牌，但更重要的，其實是留下了一種創作的「態度」。