睽違半世紀，2026 杜象超大型回顧展再臨紐約：一覽藝術家早期至晚年的藝術脈絡及其對當代影響
睽違半世紀，馬歇爾・杜象（Marcel Duchamp, 1887-1968）的超大型回顧展將於2026年4月16日重返北美，自紐約現代藝術博物館（MoMA）揭幕本次展覽，預計展出近三百件作品、手稿與檔案，涵蓋其早期立體派時期至晚年觀念創作的各個階段。秋季巡迴至費城藝術博物館（Philadelphia Museum of Art），並於2027年春季移展至巴黎大皇宮，由龐畢度中心共同策劃。這不僅是自1973年以來首次的大規模回顧展，也象徵著對杜象在當代藝術史地位的再次檢視與辯證。
馬歇爾・杜象（Marcel Duchamp）。圖片來源：Ben Martin/Getty Images
策展人馬修・阿弗隆（Matthew Affron）指出：「這樣的往返本身就是他生命的一部分，也形塑了他展開藝術生涯的方式。因此，若要呈現一場完整的杜象回顧展，就必須說出他橫跨大西洋的生命故事。」
策展團隊包括 MoMA 策展人安・坦金（Ann Temkin）、策展人郭美雪（Michelle Kuo）與費城藝術博物館策展人馬修・阿弗隆，以「跨大西洋」為核心視角，強調杜象在法國與美國之間往返的文化軸線，並嘗試回答一個延宕至今的問題：半世紀後，我們究竟會看到哪一種杜象？
杜象仍是個謎，那這個時代我們會得到什麼樣的杜象？
杜象的創作總帶著謎一般的雙關與錯置：他將小便斗橫置，簽上「R. Mutt」質疑藝術機制；在《蒙娜麗莎》複製畫上添鬍鬚，嘲諷性別與權威；將自己數十件代表作品微縮放入旅行箱，創造出「可攜式博物館」。與此同時，他又在1923年之後鮮少公開新作，轉而投入西洋棋，讓「藝術家」這一頭銜成為空殼，留下無盡的詮釋空間。
杜象與《下樓梯的裸女（二號）》。圖片來源：Bettmann Archive / Getty Images
2026年，我們會得到什麼樣的杜象？策展人阿弗隆並不願預測，只說：「每個世代都會得到它想要的杜象。」觀眾常記得《噴泉》和《 L.H.O.O.Q. 》，卻忽略了他對複製技術與敘事策略的前瞻實驗；特別是他對「作品原件」與「觀者參與」關係的長期拆解。
2022年MMK杜象展，《噴泉》。圖片來源：MMK
郭美雪指出：「儘管我們常談論杜象，但對他的理解仍不完整。他的整體創作尚未被全面認識，大多數被討論的僅是冰山一角。他改變了藝術家身分的定義，也重塑了藝術的意義：從單一的意涵輸出，轉變為依觀眾詮釋而生的多元意義。」
安・坦金補充：「當我們問『這算藝術嗎？』，其實正是延續了杜象的問題。他的創作至今仍觸及偶然性、技術與去技術化、藝術市場的角色、人與機器的界線，以及原創性與作者性等關鍵議題。他與20世紀的動盪一起，仍活在我們之中。」
策展人的發言或許也預示，這場回顧展的目的並非為杜象加冕，而是邀請觀眾重新檢驗：在一個藝術必須於無限複製與即時評論中生存的時代，杜象的藝術觀是否依然銳利？
從全覽到觀點：杜象回顧展半世紀三部曲
1973年，MoMA 與費城藝術博物館聯手推出杜象首場大型回顧展，完整呈現其從《下樓梯的裸女（二號）》（1913）、立體派繪畫到晚年的觀念創作，奠定他在美國現代藝術史中的正統地位。該展被視為策展史上的重要分水嶺，也成為杜象生前與身後最具規模的個展之一，直至今日仍為美術館回顧展的參照標竿。
1973年杜象回顧展的官方展覽海報。圖片來源：Philadelphia Museum of Art
2022年，德國法蘭克福當代藝術館（MMK）則聚焦杜象創作的三個核心面向：幽默、機械與性別，藉此引導觀眾重新理解其對藝術與身份規範的顛覆方式。雖僅展出三十餘件作品，卻因命題鮮明與展覽策略清晰，在歐洲引發廣泛討論，成為二十年來最具爭議性的杜象個展。
2022年MMK杜象展，展場一隅。圖片來源：MMK
2026年即將展開的回顧展，無疑介於這兩者之間：既承襲 1973 年展覽的規模與時間跨度，又呼應2022年的當代命題，預計展出超過三百件作品，涵蓋杜象從20世紀初至1960年代的創作歷程。策展團隊亦強調「從觀點出發」，在保持歷史敘事的同時，提出對杜象各個層面的當代詮釋。從這三個展覽的發展軌跡中，不難看出杜象作為藝術史節點的彈性與再生成能力，也突顯出他始終被不同語境重新建構的宿命。
杜象的創作軌跡與展品亮點
杜象來自法國，早期創作如《下樓梯的裸女（二號）》，融合立體派與機械感，是他邁向觀念藝術的過渡之作。該畫於1913年在紐約軍械庫展亮相，震撼美國藝術界，推動現代藝術在北美的興起。如今為費城藝術博物館典藏，時隔半世紀將於2026年首度重返 MoMA 展出。
他隨後成為達達運動核心人物，創造「現成物」概念，將日常物件轉化為藝術作品。例如1917年的《噴泉》，他將一只小便斗橫置並簽上「R. Mutt」，挑戰藝術體系與觀看機制。雖原件早已遺失，杜象卻多次親自或授權重製，藉由版本間的差異深化其對作者性與複製的探問。
《噴泉》，1950 年（1917 年原作的複製品）。圖片來源：Philadelphia Museum of Art
另一代表作《 L.H.O.O.Q. 》（1919），則在《蒙娜麗莎》複製畫上畫上鬍鬚，並以字謎般的命名語戲：「 L.H.O.O.Q. 」，法語讀音近似「她的屁股發燙」，將性別、語言與藝術經典納入諷刺視野，也挑戰圖像的神聖性。
《 LHOOQ. 》，1919。圖片來源：Artnews
展覽另一核心是《手提箱裡的盒子》（1935ndash1941）系列，始於1936年，杜象將自己的重要創作微縮、裝入旅行箱，並分版、限量製作，成為行動博物館的雛形。這項長期計畫重新定義了原作、複製與流通的關係。當年華特・班雅明（Walter Benjamin）剛發表《機械複製時代的藝術作品》（The Work of Art in the Age of its Technological Reproducibility），擔憂「靈光」（Aura）的消逝，而杜象卻選擇以微型複製品進行藝術生產，反而揭示藝術不在於唯一性，而在於觀念的流動與再生。
手提箱裡的盒子（1915ndash1923）。copy 2025 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Estate of Marcel Duchamp
部分重要作品如《大玻璃》（1915ndash1923）與遺作《Eacutetant donneacutes》（1946ndash1966）因為為費城藝術博物館的永久裝置，無法移展，僅於當地展出。本次展覽以經典作品為軸線，重新檢視杜象對「藝術為觀念」的徹底實踐。從閱讀與觀看的矛盾，到原作與複製之間的遊戲，再到幽默對性別與語言的拆解，這場回顧展展現的不僅是杜象的創作總覽，更是一場跨世代詮釋的提問。
杜象在《噴泉》前吸菸。copy Julian Wasser
五十年，是足以改寫藝術史語彙的一段時間。1973年的回顧展曾建構起一套時代性的敘事，而2026年的這場巡迴，可能不是終點，而是延續：透過跨時代的觀點與版本差異的呈現，讓我們重新提問。迷霧或許從未散去，但這場回顧展提醒我們：正是那無法被一言以蔽之的複雜性，使杜象至今仍在場。