【MING’S BRO】苦中作樂的奇異動物：SEE YOU NECK TIME 敬請勿動的陶瓷玩具

人生中接觸最多怪異事物的時光，可能就在還未能分辨真實與幻想的童年時期。知名美國玩具製造商 MATTEL 在 1964 年推出玩具系列「CREEPY CRAWLERS」，最初的想法是讓孩子製造小蟲子玩具，利用加熱金屬模具，將黏液倒入模中煮熟並凝固成逼真的蟲子形狀。成品色彩繽紛，但製作途中黏液滾熱冒泡，加上昆蟲的身體部位如顎骨和外殼令人毛骨悚然。更甚者，MATTEL 還推出過「MONSTER MAKER」的 DELUXE 系列，讓孩童可以製作出外型更為奇異的怪物。漸漸地「CREEPY CRAWLERS」因其黑色幽默和荒謬怪誕的特色，成為越純真越恐怖的代表詞，培養出一大批成人狂迷，至今仍然不斷被再版推出，亦彷佛隱隱諷刺著消費主義的荒謬，它同時亦影響了著名藝術家 RON ENGLISH 和 MARK RAYDEN 的創作。

兒童給人的印象真的是平日所想般天真爛漫、純真可愛？還是喜歡搞惡作劇？抑或是在很多不明不白的尷尬場面中勉強撐著笑容逐漸長大？細想起來，童年的笑話、接觸的玩具、卡通片和漫畫其實並不單純，反而充斥著黑色幽默，還有很多怪物和恐怖故事。笑意迎迎的動物玩具表面平易近人、 七彩繽紛、膚淺可笑，看著看著有卻令人有點脊骨發冷。

王鎮濠（阿頸，SEE YOU NECK TIME）2022 年於浸大藝術系畢業，是一名陶瓷藝術家，曾於 TOUCH GALLERY、CONTEMPORARY BY ANGELA LI 及 YOUNG SOY GALLERY等多個藝廊展出。他在大學生涯後段開始製作陶瓷作品，當身邊專修陶瓷的同學專注於陶瓷傳統手藝時，他卻發展出一套幽默的陶瓷雕塑作品系列。作品中展示著擬人化的動物，充滿著玩具常見的三原色，看似一件件奪人耳目的商品，模糊著藝術與商品的界線。吸引觀眾前去把玩的時候，近看卻發現是脆弱易碎的陶瓷，還寫著「FAILURE」、「NO ONE LOVES YOU」等幽默字眼。當觀眾感到有點沮喪無奈的時候，卻發現雕塑的奇異的動物都在輕鬆地微笑，彷彿人類的荒謬的生活在牠們眼中只是一則滑稽的笑話。

尷尬、焦慮、徒勞、感傷，這些都是一些看似微不足道的情感。阿頸的作品既似玩具，又似商品，更像一些「失敗」了的商品，蘊含可能被玩具商業界和藝術界和視為過於瑣碎的情感。在這個利潤主導和選美競爭般的商業世界，它們似乎諷刺著消費文化對童趣的扭曲和失真，但又像低聲地表達出一種表達真摯感情的渴望。

你什麼時候開始對陶瓷有興趣？

我大一已經開始接觸陶瓷，當初完全不知道什麼是陶瓷，接觸完才覺得這東西挺有趣。直至大四其實我的創作都偏向版畫，因為我畫的東西很平面。但之後因為延遲畢業了一年，那年我去了一間陶室做兼職，對陶瓷的認識廣闊了很多，然後我做畢業作品的時候便想試一下。我自己本身很喜歡陶瓷那種控制不到的感覺，而且每次打開窯都會有驚喜，挺喜歡那種意想不到的感覺，未必可以完全控制到物料，每次都會有偏差 。對比起版畫，每一個步驟都可以控制到，我反而會喜歡陶瓷給我的驚喜。

你在大學時學了什麼陶瓷製作技巧？

大部份基本的技巧都學過。例如一隻杯可以有很多方法去做，不一定用拉坯拉出來，有些不同形狀的，可以用手捏出來，你可以慢慢由一塊泥捏出來，你可以拉出來，你可以壓扁，我們叫那些做泥板，然後圍住，這樣就會變成一個杯。我自己最主要都是用手捏，和用泥板的方法去捏，特別是一些大型的東西就會用多用泥板。前陣子會比較多用模，倒模比較容易處理形狀。還有最近我愛上用泥槍，可以噴一條空心的圓柱出來，譬如那個海豚的作品，那輛單車就是用泥槍做的。

然後便上色嗎？

對，我們做完之後，要等它完全乾了都要等一至兩星期，然後我們就會燒第一次，叫做素燒，英文叫BISQUE FIRING。燒完第一次就可以上顏色，然後上完色再燒一次就叫做HIGH FIRING，會高溫一點。通常一件作品燒兩次。

不同泥需要以不同溫度燒製嗎？

是的，通常分三種泥，一種叫 EARTHENWARE，一種叫 PORCELAIN，而我通常會用的是 STONEWARE，STONEWARE 的溫度是中高溫，EARTHENWARE 通常是低溫，而PORCELAIN 就是我們平時看到的白色的陶瓷，那些就比較少沙，比較脆弱。但因為我做雕塑，如果泥沒有沙便很難成型，很容易會塌下來。因為 STONEWARE 也有分很多種，有些較黑，最近喜歡用一種比較偏黃的，但燒完出來上色效果都不錯，因為我的作品顏色比較鮮艷，所以我也不想燒完出來，很啞色很沉，所以這種泥像一張白紙，讓我可以上不同顏色。

你的作品有童趣的感覺，你對於這個形容詞有什麼看法？

我覺得某程度上我的作品都受我的童年啟發，我有份作品叫〈車車車車〉，其實是源自於我小時候很喜歡看《POWER RANGERS》，車是可以合體的，那份作品的概念是小時候經常玩戰隊玩具，但我想我可以用陶瓷自己弄一個出來嗎？然後也很喜歡小時候很自由地繪畫的狀態，所以我現在大部分的作品，都是由紙上隨意畫一些東西出來，然後再想一下會不會把它變成實物。但很有趣的是，我上雕塑課時，我的雕塑老師經常笑我的草圖很平面，但我挺喜歡那種很平面的感覺，像畫一個PEPPA PIG般平面的草圖，然後就把它變成實物，感覺會和畫作很不一樣。

為什麼長大了仍然想維持童趣？

你知不知道有個牌子叫 JELLY CAT？可能成人生活很抑壓，所以會喜歡買公仔。我早前看了一條片談為什麼 JELLY CAT 這個品牌如此成功，還有現在經濟不好，但這個公仔市場不斷上升，我覺得某程度上都是想逃避現實。

你怎樣幻想他們的形狀？

譬如家裡有個蝴蝶形狀的鉤，我經常見到它，就想用陶瓷做出來，所以你會見到我的作品經常有蝴蝶的形象。有些是很奇怪的幻想，例如最近在 TOUCH GALLERY 的展覽，主題是「樂園」，我便想起公園裡的海豚垃圾桶，我便想一條海豚放假會做什麼，其實算是「地獄笑話」，海豚沒有腳，我就把那條海豚變成踏單車的樣子。

你的作品不少都有「地獄笑話」的成份，為什麼？

我覺得「有趣」是雙面的，一些傷心的東西也可以引發出可笑的東西，譬如人們經常說周星馳的電影其實很悲傷，我覺得有多面性才會令滑稽的事更加有趣。我之前有個展覽叫「HAPPY SAD」，那個展覽和我很契合，因為我的作品同時有 HAPPY 和 SAD，這兩樣東西其實是一體的。一件作品有雙面性其實會有更加多解讀，觀眾可以更多咀嚼。笑話不只是一個笑話，裡面還隱藏某些東西。例如我的〈NO ONE LOVES YOU〉蛋糕，我覺得就是傷心令事情更有趣。還有為甚麼〈TOTEM〉 會有FAILURE一字呢，是因為做陶瓷會面對很多失敗，出現很多裂痕，我以前會追求完美的工藝，但現在看開了，便以滑稽的方式去展現出來。

我覺得我的蛋糕作品挺有趣的，因為我在玩弄陶瓷的一個特性。我以前有教班，有些學生會跟我就做陶瓷好像焗蛋糕，我便嘗試將蛋糕的材料拌在泥土中，然後我做了一些實驗，以為陶瓷會膨脹，想不到原來會融化，我懷疑蛋糕的材料裡面有些物質，令到它溶點低了，最後會溶化。之後我便故意將蛋糕做得很厚，再讓它倒塌，然後再加一個「NO ONE LOVES YOU」的牌，讓它變成一個噁心的蛋糕。

你怎樣選擇作品的顏色呢?

我通常會用一種油叫 COMMERCIAL，它燒出來會穩定一點，但是買來其實也要試一下。我們做陶瓷通常會做很多油板去試色。我會喜歡鮮色的，我不喜歡沉色，會不夠活力。還有如無必要我也不會用綠色，但我解釋不了。還有我會選一些刻板印象的顏色，譬如樹就是綠色和棕色，還有不知道為什麼我覺得蝴蝶是紫色的。（那配襯呢?）這個真的很直覺。

一個作品你會試多少個版本？

如果不是真的很失敗的話，我通常只做一次的。其實有人跟我說過，他們的意見很好，因為他們注重 CRAFT 的成分，不喜歡裂痕，但是我自己覺得裂痕在我的作品來說，如果不是一些災難性的失敗，其實是一個故事。我不追求完美，我比較追求感覺，我都會想每一次都做不同的東西，就是一個新的旅程，我不會想重複，好像工作一樣。

我看你的作品的時候有一個感覺，你的作品看上去很像真的玩具，而通常玩具都是要來玩的，但是因為你的作品是陶瓷，所以是很脆弱，而且有些陶瓷的裂痕和質感，好像有個矛盾。你有想過觀眾如何與作品互動嗎？

我發現其實我一直以來都不喜歡別人碰這些作品，每次都會放「請勿觸碰」的牌，甚至有人收藏了作品，我也會很小心提醒他們，甚至有說明書是怎樣觸摸的，因為陶瓷真的很容易弄碎的。我也有留意過自己很喜歡用陶瓷去扮現成物，我看到一樣我很喜歡的東西，都有衝動去用陶瓷做一個我自己的版本。一來是我喜歡陶瓷的質感，二來一直以來都覺得陶瓷是一個對我很舒服的媒介去展示我的想法。有次去看面相，師傅說我很適合做一些關於火和土的東西，然後我就跟他說我做陶瓷的。陶瓷很脆弱，其實是一件很麻煩的東西，隔了一天它的乾濕度已經很不同，然後會出現裂痕。〈車車車車〉作品上有一條裂痕，是有一次其實我是臨飛去巴里出差前趕工做起而出現的， 現在都還能說出背後的故事，我會覺得是 ARTWORK 和 CRAFT 之間的分別。

還有關於與觀眾的互動，我覺得不是身體上的互動，有時觀眾有很多解讀，譬如他們見到那個蛋糕作品，他們會覺得很像一個 MEME，我也會覺得這些解讀都很有趣。我反思到我其實都很受 MEMES 影響，於是便做了一份作品叫〈讚好凳〉。我今年一月辦的一個展是做了一張凳，是源自台灣「我就爛」的 MEME，能表達到由消極變得積極的狀態。那張椅子是不能坐的，中間又有一條裂痕，很多瑕疵，那張椅子知道自己是這麼爛，其實某程度上都是一種積極的態度，反映了我踏入了社會之後對世界的新看法。那件作品譬如手的位置是用修補陶瓷的方法加上椅子上的，我的創作通常是有一個大方向，但會保持著改變，不是草圖決定了一切。

談談你的牛奶盒作品，為甚麼會想到在一些童真的東西加上成人的味道？

那個很幼稚，其實我做作品很受電影和「食字」影響，因為我很喜歡自己看電影，特別是看完《A CLOCKWORK ORANGE》之後，就覺得牛奶有很多象徵意義。牛奶可以象徵母子之間的關係，又可以象徵幼稚，又可以象徵性感。其實作品是想討論藝術、商品和性感三方面的關係，做一個藝術的商品。商品也是我作品的題材，譬如之前有一份作品是蟲，形象就是源自小時候用的蟲蟲筆，不知道為什麼小時候畫的蟲都是一個個球的，然後有樣子。

為什麼會在作品中加上表情？它們是什麼生物？

通常都是動物。通常都有鼻和眼，因應不同情況。譬如牛奶盒是沒有樣子的，因為我試過但是我覺得不合適。我會覺得物件上有樣子就會很可愛，譬如好像 JELLY CAT 那樣，那個品牌就是把物件變成你的朋友而成功。我會覺得運用在作品上可以令到我的工作更有親切感，更擬人化，不會當它是一個冷冰冰的陶瓷，反而是會當它一樣有生命的東西。還有作品〈SHOWER ME YOUR LOVE〉，是為 TOUCH GALLERY 的公園主題而做的，第一件事我想起花和蝴蝶，然後聯想起人們在草叢小便，於是便想到這個接受人小便的花的形象。但譬如〈NO ONE LOVES YOU〉沒有樣子都表達到不開心的情感，都很人性化，我反而著重那個情感。（作品名也是你的一部分？）有些有關，譬如我的海豚作品叫「美豚」，因為是我做作品時朋友在旁邊，當時他就這樣叫它「美豚」，我又幾喜歡，因為他又是踏單車的，「食字」也是我作品的重要部分。

可能有人將童趣視為簡單，為了吸引小朋友，就加童趣的味道進作品，像他們的朋友般，你怎樣看呢？是不是真的那麼簡單？

我認為童趣雖然簡單，但是難擁有。大人都想重拾童年很開心的時光，某程度上他們都想逃離大人的世界，所以才要特意去迪士尼樂園，因為這些很簡單的快樂都很難擁有，成年人都很嚮往。