節目名稱的後綴寫上「裝置 | 歌劇 | 迷睡」，每場參觀（而非演出）時間為三小時。時段內，觀眾可以隨意進出劇場和展廳。裝置是視覺藝術的品種，歌劇則為表演藝術的分類。更何況，劇場是演藝的空間，而展廳是視藝常用的場地。初看資料，我不禁疑問《桑莉吟》的形式該如何定義？展演界線似是清晰，但未能分類的「迷睡」，作為一種沉浸體驗，將會怎樣串連起整個作品？
去年，No Discipline Limited 邀請視覺藝術家踏足劇場，聯同編舞家創作演出《躺在桌上的物件》，經已露出探索跨界形式的端倪。《桑莉吟》似是再下一城，進一步鬆動視藝與演藝的觀賞框架。跟監製黎蘊賢說起，她認為向來策劃的展演節目傾向參考視覺藝術前衛流派的行為藝術（Performance Art），透過串連表演藝術（Performing Arts）的劇場元素，整合而成混種的藝術形式，策劃框架上確實有意測試不同形式的邊界。今次製作，她更是一開頭就建議租下劇場和展廳兩個場地，與創作團隊一同實驗，「能不能做到一個 performative 的展覽，又或者 exhibitive 的 performance？」
《桑莉吟》的團隊成員來自不同藝術訓練的背景：Nerve 和廖端麗聯手譜寫歌劇的骨幹，再由媒體藝術家黃智銓搭建裝置，共構多媒體的跨界作品。作品分別於劇場和展廳呈現，挑動觀眾對於白盒子（white cube）與黑盒（black box）的既定印象。團隊特意不在劇場講故事，反而透過裝置構造體驗場域；展廳則以錄像歌劇為重心，藉著不同角色的唱詞，交代故事。
「觀眾對展廳有一定想像，覺得是比較 neutral、minimal、timeless 的空間，但進入劇場又會有另一套想像。大家進入一個空間時，本身帶著的期待會影響接收內容的模式。這非刻意，但無形地存在。」黎蘊賢預料觀眾在參觀時段內，將會不斷遊走於兩個場地，同時也不斷調節觀賞模式，「我們在兩個空間製造的經驗，跟觀眾一般的期待也有所不同，希望從而刺激觀眾思考自己平日不為意的期待」。
監製的策劃構思圍繞空間，關注觀眾「對空間的預設概念與經驗塑造」；而執導和作曲的 Nerve 則集中思考時間，通過作品結構的安排， 嘗試「扭轉時間的經驗」。
歌劇本意是唱歌講故事，但《桑莉吟》碎片式的呈現打破傳統歌劇的觀賞經驗。傳統歌劇雖然有人物有場景，但故事全都在台上搬演。觀眾不能進入舞台空間，觀賞經驗比較抽離。《桑莉吟》並非鏡框式舞台作品，而是通過設置讓觀眾去沉浸體驗。當一首首歌變成一個個錄像裝置時，觀眾遊走其中，自行選擇收看，組合出個人版本的故事脈絡。
裝置歌劇的形式不但改變觀眾經驗，同時也影響創作的方式。Nerve 一改平日創作歌劇的結構，「雖然都有時間線，但我不是由零分到三小時去規劃，亦不會設計出一種結構讓觀眾去直接接收」。今次創作框架較為近似編寫程式，由時間的重複發展出結構。不像作曲，安排甚麼人物在甚麼時段出現；而是每個人物每隔多久出場一次，不同人物出場的時間和頻次都不同，有時相遇合唱，有時各自獨白；結局也不會留到最後才出現。
「今次最想做到的是，觀眾真的會入場『睡覺』。」Nerve 一臉認真，鼓勵大家進去「睡覺」，然後發夢，「用『睡覺』的方法參與，從而得到『迷睡』的經驗。」所謂「迷睡」有別於純粹進場找個地方躺下來睡覺，而是通過裝置、燈光、聲音等塑造整個空間，提供介乎夢與醒之間的沉浸體驗。夢，大部分情況都無法控制，像一齣自行排演的戲。而，夢也有很多種：睡覺造的夢，理想又叫做夢想。要觀眾放下種種思想框架去重新體驗睡夢，無怪 Nerve 說「這是最簡單但也是最難的」。
1960 年代，人們研製「睡夢機」（Dreamachine），透過特定的光頻刺激，營造似夢又不是夢的視覺幻象。2020 年代，我們又能藉著《桑莉吟》睡個好覺、發個好夢嗎？—— 或者，稍稍抽離現實時空就是這趟「登月之旅」的意義。
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