A to Z藝術字典：A-ART WHAT IS ART? 什麼是藝術？
【明報專訊】每當有人問你「什麼是藝術？」的時候，你會想起什麼？一幅畫？一件雕塑？還是你會想起近年香港人經常掛在嘴邊的那句：「藝術嘅嘢我識條鐵咩」？這個似懂非懂的問題，其實可能你會有自己一套答案。這些想法也許源自日常生活的觀察，又或是從小在美術課學到的一點點知識。某些媒介似乎比較容易與「藝術」畫上等號，例如繪畫、雕塑等，這些藝術史上歷史悠久的「傳統媒介」，建構了大眾對藝術的刻板印象。可是現在，藝術似乎變得不一樣了！英國藝術家馬田‧克里德（Martin Creed，1968-），他其中一件名為Work No. 88（1995）的作品，只是用一張普通A4白紙搓成紙球。更廣為人所知的例子，必定要數意大利藝術家馬齊奧‧卡特蘭（Maurizio Cattelan，1960-）的《喜劇演員》（Comedian，2019），這條貼上灰色膠紙的香蕉，當年曾掀起全球熱話，人人高呼「藝術嘅嘢我識條鐵咩」！
■今期重點
‧「藝術」其實是一個「流動的概念」，會不斷演變。
‧藝術像一種語言，需要學習才能明白。
‧藝術不只是美，還會讓人思考和發問。
舊世界vs.新世界
這道鴻溝要由1960年代說起。
藝術自60年代開始發生了驚人的變化。自「當代藝術」（Contemporary Art）出現後，藝術不再局限於繪畫、雕塑、壁畫（Mural）、版畫（Printmaking）等固有的藝術形式。隨着「觀念藝術」（Conceptual Art）盛行，幾乎任何東西都可以被藝術家用來做創作，「傳統媒介」已不再是藝術創作的唯一可能。如是者，藝術彷彿變得愈來愈複雜，對大眾而言愈來愈難明。
藝術家創作的東西 一定是藝術品？
可能你會問：「藝術家創作的東西一定是藝術品？」很多人會質疑，為什麼藝術家貼的香蕉就是藝術？我貼的香蕉就不是？到底有什麼不同？
要理解這些問題，首先我們要知道：「藝術」其實是一個「流動的概念」（fluid concept），它在歷史中不斷演化，絕對不是「蘋果就是蘋果」那樣由生物學／植物學分類下的實體。
以史前壁畫（Prehistoric Cave Paintings）為例，當時的人類根本沒有「藝術創作」這個概念。今天我們在大英博物館（British Museum）或類似博物館中看到的東西，例如希臘神像、法老的棺木、古埃及器皿……雖然可說具有一定藝術性（Aesthetic quality），但當時它們並不是以藝術品之名而存在，就算在歐洲教堂內見到的祭壇畫亦是同樣道理。
「藝術家」身分，來自哪裏？
在歐洲中世紀時期，藝術創作者多屬行會制度下的成員，例如石匠行會與畫師行會。當時的藝術工作者主要被視為具備專業技藝的手工藝人，其社會地位介乎工匠與商人之間，工作內容多為服務宗教、王室或貴族等權力階層。儘管他們擁有一定技術與行業規範，然而尚未被視為具有獨立創造性與個人風格的「藝術家」。
直到「文藝復興」（Renaissance）時期，「藝術家」（Artist）這個概念才逐漸形成。
明星藝術家的誕生
文藝復興時期（約14至17世紀）孕育出眾多享譽後世的卓越藝術家，如達文西（Leonardo da Vinci，1452-1519）、米開朗基羅（Michelangelo Buonarroti，1475-1564）及拉斐爾（Raffaello Sanzio，1483-1520）等人，他們皆以其卓越的創造力與精湛的技藝，成為藝術史上備受推崇的「明星級」人物，對後世藝術發展產生深遠影響。此一轉變主要源於人文主義的興起，它強調人的價值，藝術家被視為有創造力的人，甚至是天才。贊助人開始重視藝術家的個人風格與名聲，藝術家開始備受追捧。
藝術學院制度 （Academy of Fine Arts）
文藝復興後期，歐洲陸續出現藝術學院制度（Academy of Fine Arts），象徵藝術教育從傳統的師徒制邁向體制化，如法國皇家繪畫與雕刻學院（Académie royale de peinture et de sculpture，創立於1648年）及英國皇家藝術學院（Royal Academy of Arts，創立於1768年）。這些機構由國家或王室支持，旨在提升藝術的社會地位，同時提供標準化的藝術培訓。
藝術學院制度將繪畫、雕塑與建築視為崇高的知識領域。當時的學院派強調古典美學與寫實技巧，主張藝術應依循嚴格的規範，並保持傳統風格，藝術學院同時確立了「藝術等級制」（Hierarchy of Genres），他們將繪畫內容分為不同級別，當中以歷史畫／宗教畫／神話類型（History Painting）為最崇高的題材，其次為肖像畫（Portraiture）、風俗畫（Genre Painting）、風景畫（Landscape）、動物畫（Animal），而靜物畫（Still Life）地位最低。
藝術學院制度的出現，為藝術提供了「官方的定義」，也決定了當時的藝術的生態及藝術家的生存方式／空間。
藝術vs.時代的落差
時間繼續推移，來到19世紀末、20世紀初。隨着工業革命的推動，世界逐漸邁向現代化，各種新技術陸續出現，包括攝影術（1839年公布第一張照片）、鐵路系統、街燈、電影等，為大眾帶來全新的生活體驗，許多大城市迅速發展。相比之下，學院派藝術（Academic Art）仍停留在過去，繼續以古典主義風格描繪神話場景。你很難想像，當時的沙龍展覽仍推崇貌似波提切利（Sandro Botticelli，1445-1510）筆下的維納斯，而窗外的人群早已踏上飛馳的巴黎地鐵。
不少年輕藝術家對此感到不滿，認為藝術學院制度過於僵化，未能反映19世紀社會轉變，與嚴重與現實生活脫節。因此一波又一波的現代藝術運動（Modern Art Movements）相繼出現，如印象派（Impressionism）、立體主義（Cubism）、達達主義（Dadaism）、超現實主義（Surrealism）等。藝術家們致力於顛覆繪畫的既有框架，提出觀看世界的全新方式，並不斷突破繪畫的可能性。
這個時候，藝術家更像思想家，或是像發明者，大家都致力求新。儘管這時的藝術思想非常前衛，但媒介仍以傳統形式為主，並未至於衝擊着大眾對藝術的認知，大家盡多只是覺得他們畫得很差罷了。
當代藝術 顛覆整個遊戲規則
歷史走到第二次世界大戰之後，來到1960年代，整個世界正處於翻天覆地的變化之中。這一代出生於戰後的嬰兒潮，在60年代正值青年時期，成為思想最活躍的一群。他們經歷戰後重建、社會資源擴張，以及教育普及所帶來的思想解放。在這樣的社會背景下，藝術也開始出現劇烈變化。
此時，傳統媒材如繪畫與雕塑的創作可能性，幾乎已被20世紀上半葉的現代主義藝術家充分探索。藝術家開始尋求新的突破，跨越媒介的界限，從媒材、藝術語言，到觀眾參與等方面，均展開全面實驗。他們發展出許多嶄新的藝術形式，例如以身體作為創作媒介的「行為藝術」，代表人物有瑪麗娜．阿布拉莫維奇（Marina Abramović，1946-）。又例如隨着家庭錄像設備的普及，錄像也可以成為創作工具。韓國藝術家白南準（Nam June Paik，1932-2006）堪稱錄像藝術的先鋒。嶄新的技術發展，為藝術家提供更多創作素材：多媒體藝術、沉浸式藝術、人工智能（AI）……藝術還會不斷推演。
這個時代的藝術創作，不再以愉悅觀眾或創造美感為目標，亦不只是單純的情感表達。藝術變得更具哲學性，藝術可以是一種思考的工具。「提問」、「整理」、「反思」、「探索」、「呈現」……成為當代藝術的關鍵詞。藝術家有時會藉着藝術激發對話；有時又會扮演行動者或是社會觀察者，甚至是哲學家或人類學家。藝術再不是單純現實的再現，藝術可以有無限可能。
藝術是一種需要學習的語言
如果我們不了解藝術發展的脈絡，便很難理解「什麼是藝術」。主流媒體仍然常以為藝術即「美」、要「令人愉悅」、可「抒發情感」。這種對藝術根深柢固的傳統概念，在今時今日，已不能幫助我們理解藝術。因為當代藝術的創作理由、對象與功能早已轉變。
藝術其實也是一種語言，無論對創作者或是觀眾而言，都需要學習。假如你想明白藝術，便可能需要了解更多藝術的發展脈絡，當中包含許多詞彙。但當你掌握了這套語言，明白當中的概念後，藝術其實並不那麼難以捉摸。只是我們過去沒有留意，我們需要這些詞彙與概念罷了。
希望在這裏跟大家說說更多藝術的關鍵詞，齊齊藝術解鎖！
文˙ 葉曉燕
{ 圖 } 網上圖片
{ 美術 } 張欲琪
{ 編輯 } 王翠麗