2024是藝術能量復甦的一年。隨著市場越來越成熟，你我不乏有接觸到大型策展單位、知名藝術家新作的機會，但有總一塊最具實驗性，可說是孵化潛力藝術家與藝術創作的「重要基石」時常被忽略。這也像 iPhone 推出前負責研發的實驗室，很少人關注但卻極其重要，而在這裡 Wazaiii 即將引領讀者一同探究的「研發者」是專注在新的藝術命題、寶藏藝術家，它是「立方計劃空間」（以下簡稱立方）。
立方計劃空間＝可能引起爆炸的實驗室＋可能會受傷的遊樂園
「立方計劃空間」始於一個在捷運公館站附近的展演空間。最初由獨立策展人 Amy 鄭慧華，與原為工程師但熱愛音樂的 Jeff 羅悅全共同營運。前者是擅長策劃藝術展覽的策展人，曾策劃過「液態之愛」（2020，台北）、「現實秘境」（2016－2018台北、吉隆坡、首爾）等多項展覽；後者是從大學時代便加入「熱門音樂研究社」，出過《秘密基地－台北音樂版圖》、翻譯《迷幻異域－快樂丸與青少年文化的故事 》等書的音樂痴。他們各自投注熱情，讓這個空間自然而然地成為聚焦當代策展與聲響文化的藝術場域。
立方計劃空間是一個展演空間、工作室，也是策展單位；但深入核心窺探，他們更像一個「藝術工程師」。有別於一般策展活動公司，立方作為非營利組織，總是在藝術市場最前緣的位置探索、開發新的藝術議題，他們所做的事沒有絕對的對錯與規範，很好玩但也充滿未知。他們的專案走期很長，目標也非售出藝術品或是創造商機。通常在找出一個研發主題後，立方就會進行搜羅可以媒合的藝術家、表演者或創作者，透過連結不同的角色一起進來實驗，而凡是實驗，難免都有一點風險。
策展＝理想＋現實
像一個負責寫程式的人，立方把未知難懂的藝術潛能，經由一連串的實驗運算，推演成某種可能的現實。而策展就是一種他們編寫程式的方式。
過去曾是工程師的 Jeff，從實務層面分享策展過程，他說：「策展這個詞現在被很廣泛的使用，甚至有人說出書也是一種策展。回到核心，策展就是由某個人提出一個點子，然後落實為具體演出的過程。在實作上，它很複雜之處，包含轉換抽象思考變成一個可以組織、視覺化的展演。還要把硬體工程、影音設計、美術設計、文字、行銷…與藝術家，全部組合在一起。」
現在身為立方藝術總監/策展的 Amy 接續補充：「每個策展人都有自己的風格，像我會覺得策展要能提出一個讓人們去思考的問題。不是透過發表文章，也不是辦一場講座，而是透過藝術去帶出這樣的思考。藝術家怎麼想這個問題？我們把它抓出來後，轉換成一個可以集體思考的場域。我覺得這是策展最重要卻也是最困難的地方。
時代可能低估了理想的重要
立方作為非營利單位，Amy 說：「我們的首要考量，就是如何呈現好的藝術和我們要傳達的訊息，剩下的都是其次。」
現實生活中，生存是很好理解各種事情的基線，沒有 KPI 的純粹創作反而聽起來讓人覺得陌生與遲疑，因此立方如此為探討而探討的存在，時常被貼上過度理想的標籤。更令人感到困惑的是，「過度理想」這件事在這個時代其實很不吃香，然而 Amy 給出一個很好的解答。
「 KPI 我覺得是一種框架，盈利雖然不是我們在策展時的主要目的，但是它不是沒有，只是沒有在眼前立即看到，利潤是發生在很後面的地方。」藝術市場需要經濟效益，但在藝廊或畫廊與藝術家媒合前，藝術家必須要先創造出值得收藏的東西，「可是這需要時間，並不是你做一個東西出來，就可以放到市場上；那樣的話，實驗與研發的地方在哪裡？而這就是我們在做的事。」 Amy 説，這也是為什麼很多藝術家與立方合作後，就開始在國際間展露頭角與不斷得獎。
藝術＝框架＋打破框架
看完方法層面，再讓我們切入內涵面。最終，立方要解的大題「藝術」，他們會如何下手？
在眾多當代藝術現象中，立方尤其擅長於聲響藝術這個領域，長期投入聲響研究的 Jeff 先鋪序自己的觀察：「數位音樂誕生後，過往對於音樂主流、非主流之分，就沒什麼效力了。在音樂類型分眾的時代，觀眾也被分的很清楚。譬如我去看一個電子音樂派對跟一個搖滾音樂季，兩方的觀眾群是完全不同的。在現代我們感覺可以輕鬆接觸到各種音樂，但事實上我們反而常常被縮限在某一種類型裡。」
「所以我們就思考著，有沒有可能在一個表演現場，大家可以接觸到各式各樣的音樂、以及完全不同類型的人；在那裡，大家能互相溝通、激發各種音樂的新可能，然後也許會發現彼此其實沒有那麼遠？」於是立方計劃空間策劃出了「聲波薩滿：立方論壇音樂祭」。「大家來就會看到一個不像音樂祭的音樂祭，不像藝術節的藝術節。」 Amy 表示。
Wonderland＝藝術祭＋音樂祭＝聲波薩滿
「2024聲波薩滿」是音樂祭，卻不是只有一種類型的音樂，立方聚集了超過40組國內外藝術家與表演者，包含實驗聲響、獨立樂團、Live Art、影音播映與空間設計，在音樂的基礎上，疊上學者、文學家與視覺藝術家的表演。並以「穿越差異旅店」為題，通過多組舞台表演，打造一個視覺與聽覺雙重享受的美好旅程。
觀眾在現場可以看到文學家吳明益與裝咖人帶來跨界的講述式表演；也可以感受泰國藝術家 Nuh Peace 結合電音舞曲、酷兒扮裝，挑戰感官極限的演出；日本行為藝術家梅田哲也，則透過在台灣搜集的鐵罐，打造而成了聲響雕塑。可以說是一場充滿藝術性的音樂祭，同時也是充滿音樂性的藝術節。
或許許多人看到這裡會有跟我一樣的疑惑，為什麼要這樣？這樣的藝術 / 音樂我看得懂嗎？跟我有關係？
Amy 解釋：「其實也沒那麼難，它的藝術性就在於一個很體感的概念，觀眾反而是要解開腦袋太多的部分。進入現場，直接面對面對藝術家給你的東西，展開另外一種感知，那個時候就不難了。」大部分的人覺得，看到一座雕像才是藝術，但反觀當代藝術的多樣貌，其實這種形式上的包袱很早就被晾在一旁。我們或許反而應該自問，如果到了一個沒有生存焦慮及資本主義思維的「藝術仙境」，我想幹嘛呢？
是跟馬來西亞藝術家 Kamal Sabran 練習好好的睡一覺？還是跟著電音佛曲樂團無相，盡情地投入信仰的治癒？「那個 Decoding 我覺得是讓大家回到最原廠設定，就是那種很直覺的體感。當你薩滿式的進入歌曲與音頻時，就像是一種儀式，你已經在改造你的精神狀態與意識狀態了。」採訪至此，突然覺得 Amy 有點像笑笑貓。
或許我們可以把「聲波薩滿」看作是一場夢遊仙境，進入之後應恣意探索框架以外、漂浮在潛意識中的各種訊息。在那裡我們繼續進行愛麗絲未完成的探索之旅，穿越各種通道，抵達一個沒有分化的理想之境。
◎Editor-in-chief：Elaine Liao（@nien7100）
◎Content Managing Editor：Christine Kuo（@christinekuo_）
◎Photography：Mark（@markphotostudio）, 聲波薩滿
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