百年後，我們為什麼還需要蕭邦？｜從2026蕭邦計畫，看一位作曲家如何成為台灣鋼琴家的共同語言

1810年出生的蕭邦，距離今天已經超過兩百年。

然而，只要曾經學過鋼琴，多半很難繞過他的作品。夜曲、圓舞曲、練習曲、前奏曲、敘事曲與波蘭舞曲，存在於音樂廳，也陪伴許多人走過學琴的不同階段。即使沒有受過古典音樂訓練，人們仍可能在電影、廣告、鋼琴教室，或者某個失戀的夜晚，聽見蕭邦的旋律。

「只要是彈鋼琴的，基本上不太可能沒有碰過蕭邦。」鋼琴家汪奕聞談起蕭邦，提到的是作品與聽眾之間近乎直接的情感連結。相較於部分古典作品需要較多背景知識才能逐步進入，蕭邦的旋律容易被聽見、接受，也經常讓第一次接觸古典音樂的人迅速產生共鳴：「他的音樂有一點像當時的流行音樂。聽的人很容易接受，但真正要彈好、找到合適的詮釋，其實非常困難。」

2026年夏天，新象藝術推出「力晶2026藝文饗宴——蕭邦計畫《跟著音符走過蕭邦的一生》」，從8月12日起於國家演奏廳舉行四場演出，8月24、25日再轉往國家音樂廳，以鋼琴協奏曲與管弦樂形式完成最後兩場音樂會。

六場音樂會共有46位音樂家參與，年紀最小的演奏者為11歲，也是新象歷屆「鋼琴計畫」參演人數最多的一屆。觀眾表面上跟著音符走過蕭邦的一生，實際走進的，還有新象自2014年起持續十二年的另一段歷史。

從蕭邦的一生，走進一項十二年的計畫

蕭邦計畫的結構，與一般由幾首知名曲目組成的音樂會不同。六場演出依循蕭邦的生命與創作發展，從早期一路走向晚年，試圖讓觀眾理解一位作曲家如何在不同階段回應愛情、疾病、離鄉與時代變動，汪奕聞形容這樣的聆聽經驗，有點像走進一場藝術家回顧展：「平常聽一場音樂會，可能只有一首或幾首蕭邦，通常也是選粹。這次可以從早期一路聽到晚期，就像進入博物館，從藝術家最初的作品開始，一路看到後來的發展。」

這樣的策畫方式，正是新象「鋼琴大師巡禮系列」長期累積出的特色。

系列簡稱「鋼琴計畫」，由新象藝術總監樊曼儂、鋼琴家葉綠娜與魏樂富於2014年共同創立。三位長期投入音樂教育的工作者，以「十年樹木，百年樹人」為理念，試圖為台灣鋼琴人才建立一個能持續參與、深入研究作品並累積舞台經驗的平台。計畫大約每兩年聚焦一位重要作曲家，透過完整曲目、多場演出與不同世代演奏者的參與，讓音樂家的養成不只發生在教室、考試或比賽裡，也發生在正式舞台上。到了2026年的蕭邦計畫，系列已經走到第九屆。

十二年間，有人年少時第一次加入，如今已成為演奏家；有人從學生走向教師，也有新的兒童與青年演奏者，開始站上前輩走過的舞台，汪奕聞就是這段歷程中具體可見的參與者之一。

一位幾乎只為鋼琴而寫的作曲家

蕭邦在音樂史上的特殊性，很大一部分來自他與鋼琴之間近乎專一的關係。除了少數大提琴與聲樂作品，他的創作幾乎都以鋼琴為核心，其他作曲家可能透過交響曲、歌劇與室內樂建立龐大的作品體系，蕭邦則把情感、技巧與個人語言集中於一種樂器：「能夠幾乎只寫單一樂器，又取得這麼重要的地位，除了小提琴的帕格尼尼，很難找到另一個相似的例子。」

蕭邦作品容易親近，並不代表結構單純。他位於浪漫主義的重要位置，作品裡仍保留對巴哈、莫札特與古典傳統的深刻理解，將對位、結構與秩序藏在旋律與情感之下，使他的音樂在感性之外，始終有嚴密的支撐；同時，蕭邦熱愛義大利歌劇，也受到貝里尼等作曲家的美聲唱法影響，如果理解這層背景，演奏者掌握蕭邦旋律中的呼吸、語氣與彈性，會更清晰。

蕭邦被稱為「鋼琴詩人」，確實其來有自，詩的語言看似精簡，背後卻容納大量未被說明的情緒；蕭邦的音樂也常保留模糊、懸而未決與難以言明的部分。汪奕聞特別提到蕭邦對敘事曲形式的發展，那是一種以器樂展開故事的方式，像一篇沒有文字的中篇小說，人物、衝突與情緒都存在於音樂之中，卻未必走向明確答案：「蕭邦的音樂裡，有很多留白，也有一些事情沒有被解決。人生裡很多事情本來就無法解決，可能只能把它留在那裡。」

也因如此，失戀、思念、孤獨與離別，總能在蕭邦的作品中找到位置。有趣的是，他處理的情感並未隨十九世紀消失，人們依然會愛、失去、離鄉，也仍有許多說不清楚的情緒，需要透過音樂暫時安放。

從波蘭到巴黎，故鄉如何留在音樂裡

蕭邦出生於波蘭，二十歲離開祖國後前往巴黎，此後再也沒有回到故鄉。離鄉經驗成為其創作中持續浮現的線索，像波蘭舞曲與馬厝卡舞曲原本都與波蘭文化傳統有關，但到了蕭邦手中，則被轉化為帶有個人記憶與民族情感的藝術形式：《革命練習曲》常被連結至1830年波蘭十一月起義帶給蕭邦的衝擊；《英雄波蘭舞曲》與晚年的《幻想波蘭舞曲》，則讓故鄉、歷史與個人生命交織在一起。

汪奕聞曾長期在美國求學，並於西北大學完成博士訓練。離鄉的經驗雖與蕭邦所處的政治環境不同，思念家人、食物與熟悉生活的時刻，依然讓現代音樂家得以靠近作品中的情緒：「平常和朋友在一起可能覺得很好玩，但生病或一個人的時候，還是會想念家人，或者想念台灣的滷肉飯。」確實，演奏者不需要複製蕭邦的人生，也不必假裝身處十九世紀，但個人的離鄉、愛情、挫折與成長，會進入音樂，再透過演奏被另一個時代的聽眾接收。

當代的蕭邦，來自每一次重新演奏

古典音樂經常面對一個問題：作品早已寫定，兩百年後不斷重複演奏的意義是什麼？

汪奕聞沒有把「正統」與「創新」放在彼此對立的位置。演奏者需要理解作品完成時的社會背景、樂器條件與審美，也必須研究樂譜中的速度、踏板、語氣與符號；然而，樂譜不會自行發出聲音，每一次演奏仍需要演奏者以自身經驗作出選擇。

蕭邦音樂中著名的彈性速度便是一例。彈性不等於任意加快或放慢，它涉及節奏感、呼吸與品味；不同鋼琴家對同一段音樂的理解，可能因此產生截然不同的表情：「我對『當代的蕭邦』更有興趣。歷史與傳統一定要理解，但也要思考，如何在沒有丟棄這些理解的情況下，彈出能與當代產生共鳴的蕭邦。」

他並不認為演奏者必須刻意創造一套嶄新的蕭邦。當一位活在2026年的鋼琴家，以當代生命經驗重新閱讀樂譜，作品自然已經進入現在：「因為是『現在的我』在彈蕭邦，他就已經是當代的了。」

從作曲家系列，走向一條鋼琴教育的時間線

新象的鋼琴計畫從2014年的貝多芬奏鳴曲全集出發，之後陸續推出布拉姆斯、巴哈、孟德爾頌、李斯特與舒曼等計畫，從巴洛克的對位與秩序、古典時期的奏鳴曲結構，到浪漫主義對情感、民族記憶與演奏家角色的開拓，每一屆都像是在台灣重新搭建一部分鋼琴音樂史。

對參演者而言，這也是不同於單場演出的學習方式。演奏者需要長時間研究一位作曲家的語言，理解作品在其生命中的位置，再把個人詮釋放入整體節目脈絡。曲目安排不只是節目單上的排序，也成為一種教育方法。2026年蕭邦計畫更於年初舉行公開甄選，讓原有邀請網絡向更多青年演奏者開放。對古典音樂家而言，正式舞台的經驗很難由教室與考試取代；排練、合作、適應場館聲響，以及在觀眾面前完成演出，都是養成過程的一部分。

汪奕聞長期參與計畫，也經歷自己從青年演奏者走向大學教師的角色變化：「學生時期會一直尋求認可，也不知道自己的位置在哪裡；到某個階段，雖然還有很多地方需要成長，但會比較知道自己是誰。現在有學生之後，心態又不同，因為學生也坐在下面聽（笑）。」這樣的傳承，發生於選曲、排練、同台演出與彼此聆聽之間，也存在於一位音樂家逐漸找到自己的位置，接著開始陪伴下一代成長的過程，於是乎，它讓時間變得有意義了。

把獨自練琴的人聚集在一起

鋼琴是一種高度「個人化」的樂器，鋼琴家長時間獨自練習，也經常獨自面對舞台。新象的鋼琴計畫，則透過一位作曲家的作品，把平常分散於不同學校、城市與演出現場的鋼琴家集合起來：「它有點像音樂節，把台灣不同世代的鋼琴家聚在一起。鋼琴家平常大部分時間都是自己練琴、自己在台上，能夠這樣一起參與，其實很特別。」這種聚集也改變了觀眾理解音樂的方式。同一系列中，人們可以聽見不同年齡與背景的演奏者，如何處理同一位作曲家的語言：最年輕的演奏者只有11歲，資深音樂家則已累積數十年舞台與教學經驗，年齡的跨度，讓觀眾同時看見音樂教育的起點、過程與成熟。

汪奕聞形容，每個人對失戀、思念與痛苦的感受，或許都能用相似文字描述，但實際承受與表達的方式並不相同。這些差異落到音樂裡，便成為速度、音色、語氣與呼吸的差別。

聽音樂會，也像是在聽不同的人講述同一個故事。汪奕聞將於8月25日最後一場音樂會演出蕭邦《第一號鋼琴協奏曲》，這首作品他已學習多年，卻是第一次正式登台演出。對一位累積豐富舞台經驗的鋼琴家而言，仍然有作品等待第一次，也說明經典不會因反覆演奏而耗盡。你可以說，2026蕭邦計畫從一位兩百年前的作曲家出發，六場音樂會串起他的創作生命；放回新象十二年的鋼琴計畫中，它同時也是另一段歷程的最新章節。（推薦閱讀：跨界實驗室｜關於健康》過敏，不只是過敏｜賴韋圳如何重新詮釋「治人，而非治病」）

這或許正是鋼琴計畫最重要的成果：讓經典留在當下，也讓一個新的演奏世代，持續在舞台上成長。