文：藍祖蔚

多數人從〈向前走〉這首台語搖滾歌，認識了林強，「特立獨行」成為樂迷遙望他時，直接撞見的頭頂光環。因為台語歌竟然可以不再傷情悲歎，也因為台語歌竟然可以這麼搖滾，〈向前走〉出現在台灣文化正全面裂解、並且重新定義的解嚴後時光，帶給台灣歌壇有如開天闢地的大霹靂。一位聽醬缸音樂長大的孩子，何以成就如此另類？如此異端？

因為音樂，他走上了演戲這條路；因為演戲，電影配樂這條岔路反而成為他穿梭往來的創作大道。他的戲路不同流俗，不用誇張喧譁，存在，就已說明一切；他的電影音樂則像前衛裁縫，不問型款是否合身，只往靈魂裡死鑽，精氣對了，樂音就會穿心入腦了。

因緣

提起對電影的初戀印象，林強總愛提學生時期，被老師強迫帶去看《梅花》和《八百壯士》的往事，那是「不看都不行」的政策洗腦年代。當時，還盛行瓊瑤與武俠電影，林強曾經坦承：「瓊瑤我不行，因為我對愛情沒有想像，我也不看武俠片，因為我不相信人會飛來飛去。」

一直到了在馬祖當兵時看了《風櫃來的人》，整個人幾乎哭出來了，「電影就應該這樣，喚醒我的真實，告訴我，我是屬於這裡的孩子。」那時，他忖想著：「退伍後，如果找不到音樂的工作，我就要去拍電影⋯⋯即使只是跟著侯孝賢去打雜都願意。」

青年立志，中年有成。日後從侯孝賢手上接過大大小小的任何獎座，林強都會向侯導行90度的躹躬大禮。回首來時路，從歌手到演員再到作曲，侯孝賢確實顛覆了他的人生，以大禮回敬恩師，只是剛好而已。

種子一

少年林強一度崇洋，動心的音樂和電影多屬美國出品，隨口都能哼出《第三類接觸》、《E.T.外星人》和《現代啟示錄》的音樂主題，忘不了《遠離非洲》的非洲景觀在音樂襯托下，可以那麼美麗，也被《似曾相識》和《殺戮戰場》的煽情音符催逼落淚。

「看完電影，我會去買電影原聲帶⋯⋯不是因為電影音樂旋律動聽，而是懷念電影的感覺，想要從音樂裡找回當時看電影的畫面和感動，因為看電影時，我的人就會進入一種狀態，音樂可以幫助我找回那種讓人懷念的狀態。」

唱片爆紅後，有一天到基隆八斗子拍新歌〈黑輪伯〉的MV，侯孝賢也來探班，探的是MV主角李天祿，和林強只是打個照面，簡單握了個手，沒多久，唱片公司老闆跑來傳話：「導演侯孝賢要找你在《戲夢人生》裡軋一角，演青年李天祿，好不好？」

怎麼不好？就這樣，歌手林強從《戲夢人生》演到《好男好女》，他沒有特別上表演課，銀幕上的他比較接近角色的心靈狀態，像魂魄一樣飄盪在侯孝賢的膠卷方格中。

就在《好男好女》進入坎城競賽的那一回，侯導直白告訴他：「不要再唱了。」唱歌要操煩幕前大小事，作曲只管音樂好，想了一夜，他告別了歌手。

種子二

林強不是音樂科班出身，既不會編曲，又不懂和弦，從沒做過電影音樂，全因侯孝賢要他從《南國再見，南國》開始也擔任配樂，既然趕鴨子上架，他選擇用「不會」的方式起步——「不會」連結了兩個關鍵詞：在於「放手」，也在於「信任」。

林強先召集了音樂上的朋友：雷光夏、趙一豪、彼得與狼、濁水溪公社，簡單說了故事大綱：「一群南部黑道兄弟每天瞎混。」再請大家到拍片現場感受氣氛，然後就放羊吃草，自由創作，這位總監一直不知道誰的音樂要用在哪裡，任由侯導把音樂擺到他認為「對」的位子。

音樂有自己的章法，影像有自己的邏輯，把音樂和影像放在一起的時候往往就會生出化學效應。例如把雷光夏的《小鎮的海》的音樂放進《南國再見，南國》中，搭配林強和高捷嚼著檳榔抽著菸，騎著機車在檳榔樹林立的山路行進的畫面，歌曲的視野多了山林內涵，電影空間也多了放浪氣息，魔力就這樣穿透出銀幕了。

鍛造

侯孝賢現場不會示範或教導演員表演，也不在意演員是否精準背出劇本台詞，他習慣創造一種情境，一種味道和氣氛，只要演員自在，就能進入角色，就任憑自由發揮。對音樂也是一樣，他不會把話說得很清楚明白，也不會過問音樂細節。

侯孝賢善用比喻。拍《千禧曼波》時他只說了句：「你有沒有看過秋天的落葉？一片片落下鋪了滿地，你只要盯住一片落葉，你就會發現落葉上有光影變化，有各種不同的姿態，有自己的生命。」

從落葉到音樂，有多少人參得透玄機？林強形容這一切好像作文比賽，導演給了題目，其他任你發揮。作曲家不會被導演的想法給框定鎖死了，否則，也只是個按圖施工的技術工匠，

能夠融進自己的想法和感覺，有互動，也有自我，就能衍生一種獨特新生命。

《千禧曼波》最經典的其中一幕是，舒淇走上天橋，四周有霓虹燈閃亮，侯孝賢唯一的要求是，這場戲「流瀉出來的音樂應當是古巴風情的曼波音樂和節奏」，投射進林強的心中卻成了：「什麼是曼波？曼波有幾種？侯導聽的，理解的，以及要的曼波音樂到底是什麼樣感覺的曼波？」

只會做電子音樂的林強，只能反反覆覆地聆聽侯導助理在當時提供給他的一張曼波音樂，有Jazz，也有Swing，慢慢咀嚼消化，最後完成了有如紅潮滾滾的脈衝樂音，牽動起魅影幢幢的台北男女往前奔竄。

摸索

不確定，就沒有安全感，不確定，只好自己找路，憑直覺上路。直覺讓人橫衝直撞，不清楚自己怎麼上了路？猛然回神，更不明白怎麼狂飆到了這裡？他衝他的，最後還得看侯導點不點頭，「有時候嘔心瀝血、掏心掏肺了一整晚，甚至寫到掉眼淚，隔天也可能被侯導打槍，沒有二話，就得重做。」

接下《刺客聶隱娘》之前，林強有些忐忑，坦言很少看武俠片，更不清楚唐朝古樂，侯孝賢回他：「你不會，不會去問人喔。」凡事問，也從頭學的林強，最終摔脫了唐朝的羈絆，因為就算把吉他換成五十弦，沒有同類的寂寞書寫卻是古今一體的，獲得坎城影展肯定的那一天，他也只淡淡地笑了笑：「完全是運氣，不是能力。」

林強也用音樂服務了不少台灣電影，他的堅持與做法，帶出很多討論。例如《一年之初》的原聲帶，讓大量夾雜了角色旁白，林強明白，電影音樂可以單獨存在與聆聽，但更多時候他更想還原音樂出現的情境，不論是環境聲或對白，都牽動著創作靈思，下音樂的那個點，聽見音樂的前後思緒，都決定了音樂的長相及記憶。

例如，《陽陽》中的配樂採用極低極淡的方式，塗抹在畫面底層，它存在，不用心聽，卻幾乎聽不見，也幾乎感受不到，雖然不跳出來搶戲，也穩穩烘托著劇情發展，透明的音樂，看似不在，卻又無所不在，聽似無聲，卻又直衝心門。

這款追求與表現，也顯現在賈樟柯的《三峽好人》、《廿四城記》與《海上傳奇》中，例如「滾滾長江」只有緩慢又冗長的電音，沒有澎湃，沒有滾動，只有尾韻輕輕飛著，關鍵在於賈樟柯《天注定》對音樂的理解：「電影音樂，不單是烘托而已，我想透過音樂來傳遞我的觀點與感受，我的電影多數都保持一個客觀的敘述狀態，我們希望音樂能夠穿越表象，成為一種情感的表達。」

進化

賈樟柯擅長文字與影像，林強則是先看過劇本，各自寫下電影中適合出現音樂的場景，再做溝通。例如電影《天注定》開場是王寶強騎著摩托車上山，林強寫下「出將」兩個字；至於全身沾滿血跡的趙濤茫然走在山路上的畫面，賈樟柯直接告訴林強：「我要『夜奔』！」

「出將」與「夜奔」都是傳統戲曲的辭彙，潛藏的殺氣與悲情，恰恰點出了電影核心，導演懂了「出將」，林強也明白了「夜奔」，音樂與戲曲的對話已無須多言。

音樂家介入創作的時間點，很微妙。約翰．威廉斯偏好定剪之後才進場，林強愛到外景或現場感受氣氛，初剪後也要先看片，看過電影，對音樂的討論就更具體，「音樂有穿透力，所有不想明說，欲言又止的東西，就交給音樂吧。」賈樟柯有這般信念，林強就更好發揮了。

老鷹想飛

寫了二十多年無詞的電影音樂後，2015年為生態紀錄片《老鷹想飛》配樂時，童謠加了進來，純淨的童音，清楚勾畫出人與老鷹的時空對話：

「厲鷂／厲鷂／飛高高／囝仔以後中狀元／厲鷂／厲鷂／飛低低／囝仔趕緊做老爸」

然後，林強為外公創作的〈天頂的白雲〉也加了進來：

「天頂的／天頂的白雲／你在上面干住的安穩／天頂的／天頂的白雲／我是你的子孫／我是你的子孫」

聽進耳裡，就有一種親切感，你會把它藏進心裡，不時取出，掛在嘴邊，一再哼唱。就在此時，你明白了林強說過的配樂精神：從音樂裡找回當時看電影的畫面和感動。有歌，無歌，其實都只是外在形式，音樂能夠穿腦入心，能在眼前幻化靈動，就會這樣一直與我們同在。