2025年Art Basel Hong Kong（香港巴塞爾藝術展）將於3月26日至30日於香港會議展覽中心舉行，作為巴塞爾藝術展三大展會之一，香港儼然已是承載著連結東亞藝術實踐與全球藝術市場的重要角色，本次參展藝廊中超過半數來自亞太地區，凸顯巴塞爾藝術展作為地域性的重心，匯聚、推動了該地區藝術領域的蓬勃發展。今屆展會共邀集來自42個國家與地區的240間藝廊參與，其中23間為首次參展，進一步體現了國際間諸多藝術空間對香港作為亞洲文化節點與市場樞紐的高度認可與信賴。
而根據2024年《巴塞爾藝術展及瑞銀集團全球收藏調查報告》的內容顯示，新進及新興藝術家作品佔高淨值藏家開支的52%，中生代藝術家佔21%，著名藝術家則佔26%（當中大部分為在世藝術家），這充分顯示了收藏家對在世藝術家的支持，也讓我們瞥見了整體藝術市場的結構在宏觀的視角下看來仍有一定幅度的轉變。
由Alexie Glass-Kantor策展的「藝聚空間」（Encounters）今次以「歲月流轉」（As the World Turns）為題，展出來自不同地域的18件大型裝置藝術作品。圖為Betty Muffler的《Ngangkari Ngura (Healing Country)》，透過雕塑結構展示其大型單色畫作。Muffler將個人歷史轉為私密而普世的藝術表達，傳遞人、土地與精神之間的聯繫。 圖／非池中藝術網攝影。
本次香港展會延續其一貫策展架構，設有多個主題展區呈現出豐富的作品調性，值得一提的是，今年展會特別設立「美高梅藝術探新獎」（MGM Discoveries Art Prize），該區旨在支持新銳藝術家發展，並由國際評審團選出獲獎者。該獎項的誕生不僅展現香港巴塞爾藝術展對於新興藝術創作的持續關注，更進一步推動亞太地區當代藝術的多元發展。本次非池中藝術網親自赴展會現場，為讀者直擊2025年香港巴塞爾藝術展會現場，並精選了15件作品，一覽這場藝文圈的年度盛會。
由Alexie Glass-Kantor策展的「藝聚空間」（Encounters）今次以「歲月流轉」（As the World Turns）為題，展出來自不同地域的18件大型裝置藝術作品。圖為許智慧《Falling Together in Time》，許智慧將傳統工藝技術與處理物質的概念性方法結合。運用紙、木材和天然顏料，將熟悉的事物重構為轉化為體現時間、記憶和韌性的形態。圖／Art Basel
由Alexie Glass-Kantor策展的「藝聚空間」（Encounters）今次以「歲月流轉」（As the World Turns）為題，展出來自不同地域的18件大型裝置藝術作品。圖為陸揚《獨生獨死 - 創造者》，以極具風格的快閃店形式登場，帶來超感官體驗。這件裝置藝術將購買行為轉化為一場充滿機遇的遊戲，詰問科技意識、藝術銷售機制等命題。圖／非池中藝術網攝影
白立方畫廊展位一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
立木畫廊（Lehmann Maupin）展出徐道獲作品一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
香格納畫廊（ShanghART Gallery）展出藝術家徐赫作品。圖 / 非池中藝術網攝影。
伊日藝術計劃展位一景。圖 / 取自伊日藝術計劃臉書。
異雲書屋展位一景。圖 / 異雲書屋提供。
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【索卡藝術，展位1B01】
蓋伯瑞‧博瑞多(Gabriel Barredo)的創作語言源自於他對材料的開放。他擅長運用各式尋常或廢棄物件作為雕塑媒材，從車輛擋風玻璃上的破損零件、廢鐵、木材、紙張、椰子殼、瓶蓋，到傳送帶、電腦與冰箱零件，皆能成為他作品中的一部分。在他手中，這些原本被遺棄的材料經過重新組構，不再只是物質的殘骸，而轉化為充滿詩意與劇場感的視覺結構。他的作品常被形容為帶有巴洛克式的繁複與狂熱，像是日常物件構成的奇幻場景，時而瑰麗，時而怪誕。
金屬材質是他創作中極為關鍵的一環，結合玻璃纖維與樹脂等複合媒材，使他的雕塑作品不僅具有強烈的視覺層次，也經常具備可動機構，成為動態雕塑領域的重要代表。博瑞多並不為作品賦予單一詮釋，反而鼓勵觀者以開放的視角進入作品所營造的幻想世界，從扭曲的金屬線條、閃爍的寶石碎片、模糊的人形輪廓與精密齒輪的運作中，各自捕捉屬於自己的感官經驗與敘事路徑。
〈呐喊報時鐘〉，2008，綜合材料，123 times 69 x 178cm。圖/非池中藝術網攝影
【BANK，展位1D31】
張移北，1992年出生於中國大慶，以雕塑為主要媒介，並涉足裝置與空間實踐。張移北的創作常以一種假設性的命題為起點，並在藝術家、材料與觀念之間進行三方動態的關係重組。無論是石頭、矽、或是現成物件，在她的語境中，這些材料不僅承載形式與質感，更反映了藝術家潛意識的結構。她嘗試在具體與抽象之間建構語境，使創作成為一種對藝術本體問題的延展性提問：材料的界線為何？觀念從何而生？這些問題構成了她創作實踐的理論基底與方法論驅力。
透過一種融合情感與跨物質的塑形實踐，藝術家將這些物件進行如儀式般的排列與轉化，使其在空間中根據她的主觀感知展開。觀眾在進入展場時，並非按照傳統線性路徑觀看作品，而是在一條非正規的動線中逐步與這些形象遭遇，經歷一次如同探索自身心理機制般的經驗旅程。這種展陳方式打破觀看慣性，也重新定義了藝術作品與觀者之間的感知關係與心理距離。
〈我們的火堆裡什麼都有〉，2024，青銅、不鏽鋼、玻璃、水龍頭、現成物，尺寸可變。圖/非池中藝術網攝影
〈Helmet 鋼盔〉，2024 青銅、鵝蛋、刷子，尺寸可變。圖/非池中藝術網攝影
【Michael Werner Gallery ，展位1C24】
馬庫斯・呂佩茨（Markus Luumlpertz），1941年出生於捷克利貝雷茨（當時為德國統治區），是德國當代最具代表性的藝術家之一，以繪畫、雕塑及詩人身份聞名。他是「新表現主義」（Neo-Expressionism）運動中的核心人物之一，也是戰後德國藝術復興的重要推手。其作品強烈地融合了古典神話、歷史意象與人類主體性之間的張力，展現出對形式、繪畫語彙與歷史文化記憶的深刻反思。
呂佩茨的創作語言始終保持一種介於抽象與具象之間的模糊狀態。他早期將德國軍事歷史的符號納入繪畫語彙中，透過符號與造型的重複與變形，引發觀者對歷史、責任與身份的重新思考。他的繪畫筆觸厚重、色彩強烈，造型粗獷卻充滿節奏感，經常援引神話人物、詩意語彙與傳統藝術史符號，並將其重新編碼於當代語境之中。
〈阿卡迪亞一伊菲根尼亞〉，2013 綜合媒材於畫布，配藝術家框架，200 x 162 cm。圖/非池中藝術網攝影
【GALLERIA CONTINUA ，展位1C25】
洛里斯・切奇尼（Loris Cecchini），1971年出生於義大利米蘭，他的創作涵蓋雕塑、裝置、攝影與繪畫，並以對空間、物質與建築邊界的實驗性探討而廣受關注。切奇尼的作品經常結合科學、建築與自然系統的視覺語彙，形成獨特的、有機與工業語感交織的語言。
近年來，藝術家的創作方法明顯超越了對自然「表層」的描繪，轉而深入自然內部結構的探索。他不僅著眼於自然的形式美，更追求以科學方式挖掘自然界中更為隱微、甚至近乎化學層面的本質，進而將這些內在機理作為創作的雛形。〈Aeolian Landforms (Wawa)〉呈現出藝術家長期探索自然地貌與科技結構之間的關係。作品名稱中的 「Aeolian」指的是「風成地貌」，意即風力在地表長期作用下所形成的自然地形，如沙丘或岩石侵蝕紋理；「Wawa」則可能指涉具地域性或語意上的詩性延伸，使作品在地質學與個人情感之間建立聯繫。
〈Aeolian Landforms (Wawa)〉，2020，聚酯樹脂、壓克力樹脂、尼龍纖維、鋁框，152 x 201 x 6cm。圖/非池中藝術網攝影
【Gagosian ，展位1C18】
喬丹・沃爾夫森（Jordan Wolfson），生於1980年，以挑釁風格、劇場化與科技技術的作品著稱。他的創作涵蓋錄像、動畫、裝置、雕塑與表演等媒介，善於融合流行文化、技術與心理學意象，探討身份、暴力、慾望、種族與性別等複雜議題。沃爾夫森的作品往往以強烈的視覺語言與不安感激發觀者的情緒反應，引發關於觀看、控制與倫理的深層思考。
《Untitled》系列通常圍繞圖像與媒介自身進行思考，並透過拼貼、印刷、錄像或繪畫等形式，揭示身份、慾望與文化符號在當代表象系統中的錯置與重構。在這些作品中經常引用商業影像、卡通角色、網路素材與流行文化圖像，透過解構與重組，使熟悉的圖像產生陌生化效果，進一步指涉觀者與影像之間的不穩定關係。在這裡探索更為私密與抽象的主題：孤獨、焦慮、性衝動、觀看與被觀看的倫理。他將個人潛意識中的片段經驗轉譯為視覺語言，在反覆出現的影像中埋藏情緒的殘留與壓抑的慾望。
〈Untitled〉，2025，UV印刷、透明塗層、壓克力、金屬硬件，180.2 x 243.8 x 3.5cm。圖/非池中藝術網攝影
【Hive Center for Contemporary Art ，展位1B15】
夏禹，1980年出生於中國上海，此位藝術家善於在畫面中建立了對現代性焦慮、文化失落與個體境遇的詩性回應。他筆下的圖像不呈現了「現在進行式」的都市生活寫照。這些畫面鋪陳出現代人熟悉的日常場景，充滿代入感與觀察力，猶如一幅幅細膩的城市圖鑑，呈現出身處於現代社會中的個體在多重身份間的流動與切換。
畫中人物穿梭於居所與辦公場所之間，於城市與自然的縫隙中進行短暫逃離，又在家務、工作、發呆與娛樂等節奏之中無縫轉場。他們在每一段生活空間的變換中轉換著身份，扮演著現代社會中各種角色。反映了當代人在富足與限制並存的條件下所面對的內在疲憊。表露生活節奏的細膩觀照，揭示表面秩序下的裂縫，也傳達出一種對平凡日常的溫柔注視與詩意理解。
〈來臨〉，2025，油畫，170times150cm。圖/非池中藝術網攝影
【Urs Meile ，展位1D24】
苗妙是一位以繪畫為主的中國藝術家，同時也涉足裝置與複合媒材的創作。她的作品以對日常經驗的觀察為起點，結合個人記憶、語言與視覺感知，發展出一種富有親密感的藝術語彙。
除了平面創作外，苗妙也逐漸發展出空間性的作品。在某些裝置實踐中，她會以縫線、文字、紙張等素材進行語言與形式的實驗，例如將地方語言詞彙繡入紙面，並且翻轉展示，使觀看者從另一個角度理解語言與地方文化的關係。她的創作方式帶著「手作」感，強調製作的操作痕跡，也讓作品本身與觀者之間形成一種輕微但有力的互動。間接形成對心理與情感的狀態有所回應，她不以宏大命題為目標，而是透過對微小感知的追蹤與轉化，慢慢累積出具有自我節奏的敘述結構，構築出一種平易近人但富於深意的當代圖像語法。
苗妙作品展場圖。圖/非池中藝術網攝影
苗妙作品展場圖局部。圖/非池中藝術網攝影
【ARARIO GALLERY ，展位1D21】
李珍珠（Lee Jinju），1980年出生於韓國釜山，她的創作以對生活與現實的深度觀察為基礎，描繪記憶片段與日常物件，這些看似平凡的事物在畫中往往被賦予象徵性的意涵，表面上陌生而抽離，實則深入的根植於現實經驗之中。
透過非常規矩形的畫作形式，挑戰了傳統畫面的空間限制，讓畫布不僅成為物理性的支撐表面，更顯化為心理層面的分界與介面。她不僅描繪外在世界的影像，更關注個體經驗、記憶與想像交織而成的主觀感知。透過形式上的結構設計與在空間中的具體呈現方式，藝術家試圖指出：我們對世界的理解總是受到觀看盲點與認知偏差的影響，而真正「全面」的觀看，幾乎是不可能的。她的作品因此也成為對人類感知極限與內在心理狀態的一種詩意省思。
〈不可能〉，2024，粉狀礦物顏料、動物膠，220 x 100cm。圖/非池中藝術網攝影
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【Don Gallery，展位1B27】
中國藝術家王寧德（b.1972-） 以影像和裝置藝術聞名，他的《某一天》系列從個人成長經驗出發，探討記憶和時間之議題，並獲國際讚譽。後續又憑《有形之光》、《大洪水》等系列，拓展影像藝術的語言邊界，並注入溫厚的情感表現。
在Don Gallery本次展出的《有形之光》系列中，王寧德將原始圖像的結構及表現形式解構，特意不循將圖像固定至紙質媒介的表現路徑，而是轉為將印有圖像的膠片殘片進行系統性地重組，並以光為媒介：唯有當光線穿透這些碎片時，畫面才能被完整地投映而出。這種獨特的創作手法使影像擺脫了載體的束縛，以如幽靈般的「幻象」形式存在。王寧德也藉著如此手法，關注攝影的本質議題mdash「光」與「影」。
王寧德《有形之光》系列作品。圖／非池中藝術網攝影。
【Greene Naftali，展位1B23】
Paul Chan（b.1973-）一位出生香港，現於紐約從事創作的藝術家，其創作擴及：繪畫、影像裝置、出版等多種形式，作品並獲香港M+、倫敦泰特現代美術館、紐約現代藝術博物館和古根漢美術館等重要機構典藏。Paul Chan在職業生涯取得初期成就後，曾一度停止創作，轉而創立獨立出版社「荒原無限」（Badlands Unlimited），重回藝壇後，他開始借助聲音、電力和機械器材等媒介，將自身的動畫實踐延伸至屏幕至外，創作一系列的動態雕塑作品。
這系列作品以工業用電風扇來驅動尼龍人偶，使裝置在充氣與洩氣間循環往復。這些人時而飽滿昂揚，時而萎靡癱軟，其誇張而富有節奏的運動，演繹著一齣荒誕的趣味場景。作品以幽默的視覺語言，巧妙勾起觀者的感知。
Paul Chan〈tokener choros〉。圖／非池中藝術網攝影。
【Galerie Eigen + Art，展位1D20】
Galerie Eigen + Art （艾根畫廊）今次帶來現居於柏林的藝術家Birgit Brenner（b.1964-）的裝置作品〈Welcome to the Territory〉，其創作目前也正於畫廊空間展出。Birgit Brenner的創作長期關注社會現象議題，並圍繞著不公正、權力、恐懼或承諾幸福等主題進行批判性的探討。
本次展出的〈Welcome to the Territory〉在造型上以金屬機械手臂為核心：機械手臂正拎著一只鑲嵌寶石的粉色金屬鏈提包，而事實上這件包包的造型更是刻意複製當今世上最昂貴的手袋款式。透過對奢侈品的仿擬，Brenner 藉以向消費文化與物質主義是如何根植於現代社會提出探問。機械手臂既象徵技術進步，亦可視為人工智慧的具象化mdashmdash當科技在社會中扮演日益關鍵的角色，它是否也衍生出與人類相似的物質欲望？Brenner 藉此構築一則科幻寓言，對人類世（Anthropocene）提出詰問：人類究竟在地球留下何種印記？我們的思維與行為又將形塑怎樣的未來？
Birgit Brenner, Welcome to the Territory, 2025. 圖／Galerie Eigen + Art
【Studio Gallery，展位1C34】
上海Studio Gallery（工作室畫廊）自成立以來便致力支持具潛力的青年藝術家創作，本次參展巴塞爾展會以檔案室的概念，呈獻中國藝術家王玉鈺（b.1991-）的個人創作項目：「編織練習」。展位上可以見到以4件立體垂掛雕塑為主，及其他由繪畫、拼貼、小型雕塑組成的檔案櫃，而這些新作則是基於王玉鈺對於與人類存在共生關係的其他生命體（比如寄生植物、昆蟲、軟體生物等）的觀察和思考所發展出。近期，她將創作重心轉為探索這些同樣生活在人類環境周圍的微小生命體，試著從其形態、生存環境、生命過程等面向探討文明背後的自然奧妙。
作品形態由生物的吸管、花蕊、絨毛、皮膚和分泌物等器官形變而來，每件作品如同藤蔓一般攀爬纏繞彼此，而伴隨著材料的相互堆疊、勾連與添入亦產生路徑的變換，構成了微妙且無序的依存關係。對於王玉鈺來說，編織的聯繫更像是一系列嘗試連結與協作的實驗。
王玉鈺「編織練習」。圖／非池中藝術網攝影。
【ROH Projects，展位3C11】
ROH Projects今次參與「策展角落」（Kabinett）項目，推出帶來藝術家、策展人兼印尼藝術團體 ruangrupa 成員 Ade Darmawan （b.1974-）的個展《The Santalum Album Fami》。《The Santalum Album Fami》延續 Ade Darmawan 對於印尼邊緣族群歷史的深入關注，其建構一個像是化學實驗室的場景，將對資源開採和剝削的想法轉化為視覺隱喻。在 Ade Darmawan 建構的空間中，其將蒸餾過程的殘留物及相關文物件、筆記和數小幅光柵畫作並置呈現，且以蒸餾器為隱喻，象徵當代社會對於自然資源和藝術創造的雙重剝削。
Ade Darmawan《The Santalum Album Fami》。圖／非池中藝術網攝影。
【Lehmann Maupin，展位1C22】
韓裔美籍藝術家Anna Park（b.1996-）雖為年輕卻已展露頭角，作品為亞特蘭大高等藝術博物館、香港 K11 藝術基金會和邁阿密當代藝術學院等重要機構典藏，據悉亦獲KAWS的私人收藏。她目前也是Lehmann Maupin（立木畫廊）旗下代理最為年青的藝術家。
Anna Park的創作以具個人特色的單色繪畫語言，向身份建構、權力和當代女性形象等議題提出犀利探討。本次展出的新作〈Sweet Talk〉在畫面中央切分出另一個空間，在黑灰相間的背景裡描繪一名身穿白衣的女性，以慵懶的坐姿倚靠在家具旁；其手部動作像是在操控某樣物件，而有趣的是，一行文字並寫道：「這是一台電腦嗎？」Anna Park的繪畫經常汲取廣告、電影及漫畫的視覺語彙，並運用高對比的黑白畫面與文字遊戲進行構圖，善於用有些調皮、挑釁的敘事手法，來表達她對於當前文化的敏銳觀察。
Anna Park,Sweet Talk,2025. 圖／Lehmann Maupin
【Sabrina Amrani，展位1D44】
由 Sabrina Amrani 代表展出藝術家 Carlos Aires（b.1974-） 以紙幣為媒材的雕塑裝置作品，以怪奇的景觀呈現金錢的千奇百態。〈Mirror (Crisis Edition)〉以全球GDP前三十國家的紙幣為媒材，將其轉化為剪紙符碼並仔細拼組合成。細看作品可發現其引用了災禍、危機相關的圖像在其中，如骷髏頭、槍枝等元素；而在作品中反覆出現的蒼蠅與蠑螈剪影，則對應至17世紀的虛空繪畫（vanitas）傳統，蘊含對人世的省思。面對金錢作為推動世界運轉的重要驅力之一，Carlos Aires 的創作旨在向全球化時代的經濟幻象與存在危機提出詰問。
Carlos Aires, Mirror I ( Crisis Edition), 2025. 圖／Sabrina Amrani
展覽資訊
貴賓預展（憑邀出席）
3月26日（星期三）中午12時至晚上8時
3月27日（星期四）中午12時至晚上4時
3月28日（星期五）中午12時至下午2時
3月29日（星期六）中午12時至下午2時
3月30日（星期日）上午11時至中午12時
開幕之夜
3月27日（星期四）下午4時至晚上8時
公眾開放
3月28日（星期五）下午2時至晚上8時
3月29日（星期六）下午2時至晚上8時
3月30日（星期日）中午12時至下午6時