今晚Loewe基金會工藝獎的驚喜始於嘉賓的介紹，該嘉賓是Aubrey Plaza（以），她在巴黎東方宮殿的深處一個巨大的工業空間宣布了本屆Loewe「羅意威基金會」工藝獎獲獎者。她穿著一件抽象花卉襯衫和灰色寬鬆褲走上講台，她的介紹與她的褲子一樣輕鬆自如。「謝謝JaJa，我的好朋友，」她對著Jonathan Anderson說，當他把麥克風遞給她時，引起了一陣笑聲，然後以她標誌性的冷幽默風格補充說：「什麼？這是我叫他的名字。」
接著， Plaza 按部就班地宣布了當晚的獲獎者：墨西哥陶藝家 Andrés Anza，他的作品名為《我只知道我看到的I only know what I have seen 》，被12人評審團選為今年展覽的突出作品。Plaza 朗讀了評審團的聲明，表示他們的決定源於這個象徵性的陶瓷雕塑的「引人注目且近乎人類的存在感」，以及它巧妙地將「古老的考古學形式」與「近乎後數位美學」相融合。當然，Plaza不失其幽默做自己——而且剛剛與她最好的朋友 Anderson進行了一次展覽的私人導覽——她也加入了自己的觀察：「我覺得它也有一些很有趣的地方，」她說。「我覺得裡面有人藏著，凝視著我。」
這些起初看似極不相關的元素，以及結合在一起的幽默感，彷彿是對今年整個工藝獎的一個簡潔總結。
Liam Hess
Anza的陶瓷作品呈現了數千個小刺，讓人聯想到仙人掌的刺或異國水果的表面，既像動物又像植物，反映了參與者對於混合不同形式和材料的興趣。Anderson說：「這一次，媒體的混合很多——將兩種不同類型的傳統工藝融合在一起，這是我們之前很少見到的。」（如果你想知道這個五英尺高的陶瓷是如何燒製的，結果它實際上是由五個不同的部件無縫地組合而成的，增添了一點俏皮的視覺戲法。）
與此同時，特別提到的作品（今年首次有三個亞軍）分別授予了日本藝術家淺井美紀Miki Asai，她用手工精心製作了由蛋殼和海貝殼碎片製成的精美小花瓶；法國設計師Emmanuel Boos，因為他用可堆疊的磚塊製成了一張令人愉悅的咖啡桌，如同樂高積木一樣；韓國藝術家金希燦Heechan Kim，因為他用銅線把灰木製成一團雲，表面柔軟而靈活，但當你往內看時，卻充滿了數千個閃閃發光的銅刺。每件作品都以其巧妙的遊戲性和精確性而著稱。Anderson說：「看到這麼多藝術家將這些有機形式與這些更規範的形式混合在一起，這是很有趣的。」
在那天早些時候，Anderson被發現坐在樓上會議室角落的一張扶手椅上——這個房間剛剛是評審們正在進行激烈辯論的地方，他笑著形容這次辯論是激烈的。工藝獎引發的有關工藝的討論是否成為每年做這項工作的樂趣的一部分？「是的，」他說。「每個人都有自己的個人選擇，但你必須把這些放在一邊。你必須試著從各種不同的觀點來看待它。」今年，除了獎項的獲獎者之外，評審還做出了上文提到的最後一刻決定，將特別提及從兩個擴展到三個——這不僅是申請者質量的證明，也是他們所提供的範圍之廣。Anderson對最終選擇表示：「感覺就像一個不錯的橫截面。想到今年我們收到了近4,000份申請……這有點瘋狂。」
瘋狂，是的，這也證明了過去十年間藝術圈對工藝的興趣迅速增長，主要機構和收藏家開始購買他們之前可能會忽略的作品。（陶瓷、玻璃和紡織品的價格都飛漲了。）
Anderson自己也停下來回顧了他在倫敦早期的一個轉折時刻，當時他在拍賣會上搶購了一個露Lucie Rie的沙拉碗，啟發了他現在龐大的藝術品和物品收藏的開始：「現在，要輕易地拿到她的一件作品幾乎是不可能的，」他補充說。「對這些物品的欣賞有了不同的角度——不僅僅是商業意義上。我們對這些藝術實踐的地位層級看法發生了真正的變化。」這是一種在展示不同學科時將它們並置在一起的反傳統方法，Anderson本人在2017年在Hepworth Wakefield的精彩《Disobedient Bodies》展覽中推廣了這種方法，該展覽通過從Henry Moore的雕塑到Comme des Garçons的服裝展示了對人體形式的扭曲。
但回到巴黎東方宮殿的畫廊，客人們發現了由選拔委員會篩選出的30位工匠的作品，這些作品沿著一條蜿蜒穿過中央隔板的路線展示。在閃爍的銀色瓷磚板的背景下，發現的樂趣不僅僅在於單個物件本身，還在於它們是如何被「Loewe羅意威基金會」團隊放置在對話中。在一面銀色的牆壁上，放置著一對籃子，展示了兩位來自不同背景的藝術家——生活在緬因州的土著美洲籃織工Jeremy Frey和出生於伊利諾伊州但主要使用華盛頓州當地材料的Polly Adams Sutton——如何共同創作出一個和諧的作品。Jeremy Frey的有蓋籃子證明了祖先瓦班納基族織技術的非凡精煉，他使用彩色染色帶增添了一種節奏感；在它威嚴的氛圍下，Polly Adams Sutton用手採的雪松木製成的波浪狀籃子既令人愉快地歪斜又奇異地迷人。（就在拐角處，特別提及的得主Boos 正在演示如何拾起和移動他可堆疊、以樂高為靈感的光滑巧克力色磚塊制成的咖啡桌。）
來自剛果民主共和國的開普敦藝術家Patrick Bongoy呈獻的其他傑出作品也引人注目：最初看起來像是一種由編織的皮革組成的壁掛，在仔細觀察後卻發現是由回收的橡膠、矽膠和金屬線製成——就像是一輛車內部翻轉過來並重新利用，變成了一個令人毛骨悚然但是優雅的物品。再往下幾步，就是馬里藝術家 Ange Dakouo深層次的個人作品《Harmony of Grisgris》，它被製作成一種由摺疊的報紙磚塊拼湊而成的壁掛（Ange Dakouo的父親在他童年時期曾是一名印刷工），這些磚塊用線連接在一起，並用貝殼裝飾，向西非的 gris-gris致敬，或者是一種傳統的護身符。觀眾不僅對它的技術嫻熟感到驚嘆，更感受到了它的靈魂。
對於像Anderson這樣一個永遠向前看的人來說，最令人興奮的是今年不斷出現的互相吸引的精神——藝術家們對主題、材料和形式採取了極具科學怪人式的方法——這反映了工藝的未來。「我認為這在技術上有所體現，」他說。「當你看到TikTok或Instagram時，人們對看人製作東西感到著迷。我認為人們覺得這很療癒。我從來沒想過技術會對此有所幫助，但我認為當前社會內部存在著一種對重拾製作過程的固有好奇心，並理解我們為什麼會認為某些東西有價值。我認為這將最終幫助工藝，即使你可能會認為情況恰恰相反。」人們無法不感受到這正是Jonathan Anderson所追求的引人入勝的矛盾。
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原文出處：VOGUE US