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從發聲到回放,看一回關於聲音的形變 ── 《聲體變狀》

立方計劃空間長期致力發展聲響文化的研究,成立以來即開始與來自不同領域的聲響實踐者發展合作計畫。2022 年中,立方空間很榮幸與由多位藝術家所組成的跨領域藝術團體 ——「匯流體驗」共同展出《聲體變狀》(Objet Sonore Deformation)。

本展集結多位聲音藝術家,進行聲響的實驗創作。展出作品利用早期錄音技術中的磁帶系統,結合現代數位串流的技術,將聲音從發聲到回放的路徑,匯集於聽者所處的當下時空,以不間斷地播放、錄製與線上串流之循環,呈現聲音隨著時間、載體耗損與多樣媒體回放(playback)的過程中,必然產生的磁帶耗損、串流音訊壓縮等種種變化;再者,透過架設直播平台,串接實體現場與虛擬空間,讓聽覺經驗在線上線下的維度中穿梭,強調聲音在接收與傳遞過程中必然產生的形變,近一步使觀眾反思聲音技術的演進,是如何形塑我們對日常聲音的認識。

在網路串流主導文化現象和相關技術延伸的當代,錄音技術的發展,培養出對音訊聆聽系統更加敏銳的人類雙耳,同時也改造了人類的聽覺感官。然而,這些技術框架所形塑出的個體經驗,乃至於對技術邊界的探索,是否還存有解構和重組既有感知的意識?若播放載體所傳遞出的聲音真實性(authenticity)已非現代人聆聽的評判重點,那麼我們又該如何對海量的數位聲音進行不同面向的思考?

源自 19 世紀出現的錄音技術,使得聲音得以從仰賴視覺的抽象記譜系統中解放,各類聲音傳遞媒材普及於大眾生活之中,得以依自身的型態被記錄、傳播,顛覆性地再造人與聲音的聆聽關係。發展至今,在音樂市場上大行其道的電子與嘻哈音樂,以既有音樂、聲響採樣、混音等方式產出作品,讓大眾更廣泛的接觸以既有錄音作為素材的創作。

然而,儘管錄音技術重新形塑了人類的聽覺世界,但在日趨複雜的聲音工程技術,以及從過去的黑膠唱片、錄音帶、CD,直至當今的數位軟體、串流媒體之大量複製和傳播下,人們與錄音技術、媒體傳播之間,卻產生了層層隔閡。

具象音樂家皮耶爾・舍佛(Pierre Schaeffer)曾於 1948 年提出「聲音體(L’’Objet Sonore)」的概念,聲音在過去是以非本體的相對抽象形式存在,而錄音技術問世後,被記錄下的聲音儼然成了一個個具象的個體,音樂的創作和聆聽不再受限於現場即時性的演奏,「被錄下的聲響」本身也成為一個獨立於記錄以及重現功能外的聲音體。

當舍佛提出該理念時,僅以創作者的角度認為這是一項作曲與演奏概念的革新,若將此概念置於今日來看,除了錄音技術在一定程度上掌握了錄製工程的客觀條件之外,其實還有錄音者主觀選擇的聲音調變、當下時空環境與器材等要素,大幅影響了錄音結果。

乃至聽眾聆聽時,透過類比媒體的底噪和頻率響應、不同的數位解碼系統或數位串流、各個平台上的相異壓縮比例等回放方式,種種因素皆讓聲音產生形變和失真。作為聆聽端的受眾,同樣藉由回放器材與聆聽方式的選擇,無意識地參與調變聲音的過程。簡而言之,錄音早已不再像許多人想像的那樣,是「原真聲響的紀錄」。

從另一個面向來說,錄音技術的普及,讓聲音的出版品出現固定的權威版本,然而,從經典版本再演譯的的聲音體,經由錄音和載體的調變,它在每位聽眾身上,卻也引發出不同的樣貌而存其活性。例如,談及絕大多數台灣人經驗裡的鋼琴曲〈給愛麗絲〉、〈少女的祈禱〉,浮現於記憶中的印象,並非身著正式禮服的鋼琴演奏家在音樂廳裡演奏,而是垃圾車廣播出的 MIDI 檔案之迴響。

又或者,一份 1970 年代發行的搖滾樂團現場錄音,無論是壓製成黑膠唱片還是高傳真雷射唱片的版本,抑或是從 YouTube 之類的串流平台上再次回放,對曾親身參與過現場演出的人而言,現場性的身體感知記憶仍難以被錄音所取代。

反之,對於未臨現場,僅透過各類媒體聆聽這份錄音的絕大部分聽眾,聲音的原真性已經不是重點。聲音在每個當下的回放,經過每種不同的載體,不同的聲響空間,皆是一次形變,皆是在塑造一個個截然不同而獨有的個體經驗。

關於匯流體驗
成立於 2020 年,集結國內外多元領域的創作者,包含洪梓倪、徐嘉駿、鄭道元、戴向諶等人,重視各類異同價值觀和認知,讓創意、技術、經驗與視野對應時代變相高度流動,在此前提下展開創作展演計畫,期以讓各類型創作者有機鏈結和對話,成為再感知變動世界的促發點。

INFO:《聲體變狀》
日期|2022.5.14(六) – 8.14(日)
地點|TheCube 立方計畫空間(台北市中正區羅斯福路四段 136 巷 1 弄 13 號 2樓)

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